Minimalism in Music

 

43년 만에 다시 시작하는 23학번 대학 새내기의 분투기 시리즈 56

 

 

 

내 생애 가장 감명 깊었던 10편의 영화 중 하나인 스티븐 달드리(Stephen Daldry) 감독의 2002년 영화 디 아워스(The Hours), 특히 버지니아 울프역의 니콜 키드먼과, 로라 브라운 역의 줄리안 무어, 리차드 브라운 역의 에드 해리스의 연기뿐만 아니라 영화의 오리지널 사운드 트랙을 맡은 작곡가 Philip Glass를 처음으로 귀 기울여 듣게 했던 영화였죠.

영화의 OST는 레이블 Elektra/Nonesuch에서 발매했는데 이 영화를 위해 특별히 작곡한 것이라기 보다는 필립 글래스의 작곡인 오페라 Satyagraha의 "Protest"의 테마와 그의 앨범 Solo Piano의 "Metamorphosis Two"에서 영감을 받은 Franz Kafka를 포함한 글래스의 초기 음악이 포함되어 있답니다. 이 앨범은 BAFTA Award for Best Film Music를 수상했을 뿐만 아니라 또한 아카데미상 최우수 오리지널 스코어, 골든 글로브 어워드 최우수 오리지널 스코어, 그래미 어워드 최우수 스코어 사운드트랙 앨범, Motion Picture, Television or Other Visual Media (lost to the score of the film The Lord of the Rings: The Two Towers).등에 노미네이트 되기도 했죠.

 

유튜브에 있으니 들어보시기를 추천드립니다.

https://youtu.be/S29MIhTjXH0?list=PLEbCrIzkM2gBA9yZOXmj6-_yRWrYPb498

 

뜬금없이 영화며 영화의 사운드 트랙을 언급하니 궁금하시겠죠. 바로 사운드 트랙의 음악을 소개하기 위한, 들어가기? 서양음악사 산책이라는 과목의 현대 음악사 중 미니멀리즘을 간과할 수 없고 필립 글래스를 거론하지 않을 수가 없답니다.

오늘 동양사상입문을 끝으로 1학년 1학기 수업은 종강이 되었답니다. 다음 주 4과목의 기말 시험을 앞두고 있지만 한결 마음이 가볍기도 해요. 오늘 밤엔 오랜만에 영화 <디 아워스>로 레포트 맞추기에 지친 저를 달래 볼까 해요.

 

 

 

 

Minimalism in Music

음악의 미니멀리즘은 20세기 중반에 등장한 장르이자 작곡 스타일로 현대 음악에 계속해서 큰 영향을 미치고 있다. 반복적인 패턴, 점진적 프로세스, 단순성과 명확성에 중점을 둔 것이 특징이다. 미니멀리스트 작곡가는 종종 소리와 침묵 사이의 관계를 탐구하고 최면에 걸리고 몰입감 있는 청취 경험을 만들기 위해 제한된 수의 음악적 요소를 사용한다.

미니멀리스트 음악은 20세기 중반 아방가르드 음악의 복잡성과 지각된 엘리트주의에 대한 반작용으로 등장했다. Steve Reich, Terry Riley, Philip Glass, La Monte Young과 같은 작곡가들은 과잉을 제거하고 더 접근하기 쉽고 직접적인 음악 언어를 수용하려고 했다. 그들은 비서양 음악, 아프리카 드럼 연주, 동양 철학 등 다양한 출처에서 영감을 얻었다.

반복적인 패턴 또는 오스티나토는 미니멀리스트 구성의 핵심 기능이다. 이러한 패턴은 시간이 지남에 따라 반복되고 점진적으로 진화하는 짧은 멜로디 또는 리드미컬한 모티브로 구성된다. 반복은 추진력과 무아지경과 같은 품질을 만들어 청취자를 명상적이고 관조적인 상태로 끌어들인다. 종종 하모니, 리듬 또는 다이내믹스의 미묘한 변화를 통해 이러한 패턴의 점진적인 진화는 음악에 유기적인 발전 감각을 더한다.

미니멀리스트 구성은 또한 자음 하모니와 단순한 멜로디 라인의 사용을 강조한다. 불협화음은 일반적으로 피하거나 드물게 사용된다. 목표는 복잡한 조화 구조보다는 개별 음악적 요소의 아름다움에 초점을 맞춰 고요함과 평온함을 만드는 것이다.

미니멀리스트 음악은 종종 영원함과 공간감과 관련이 있다. 듣는 사람이 음악에 몰입하고 초월감을 경험할 수 있도록 반복적인 구조로 곡이 길어질 수 있다. 단순성과 반복에 대한 강조는 미묘한 변화와 변형이 더욱 분명하고 의미 있게 됨에 따라 음향 세부 사항에 대한 인식을 높일 수 있다.

시간이 지남에 따라 미니멀리즘은 전자 음악, 주변 음악, 포스트 록, 심지어 대중 음악의 특정 요소를 포함하여 광범위한 음악 장르와 스타일에 영향을 미쳤다. 그 영향은 작곡에서 반복, 단순성 및 점진적 변형의 가능성을 계속 탐구하는 현대 작곡가와 예술가의 작품에서 볼 수 있다.

요약하면, 음악의 미니멀리즘은 반복적인 패턴, 단순성, 점진적 프로세스에 대한 집중이 특징이다. 몰입감 있고 명상적인 청취 경험을 만들고 자음의 화음과 멜로디의 단순성을 강조하는 경우가 많다. 미니멀리스트 음악은 현대 음악에 지속적인 영향을 미쳤으며 작곡가와 아티스트가 작품에서 반복과 단순성의 힘을 탐구하도록 계속해서 영감을 주고 있다. 즉 최소한의 요소만을 사용하여 짧은 음현의 반복에 기초하는 음악 양식으로 1960 – 70년대에 걸쳐 미국을 중심으로 발달하여 발리, 인도 등 아시아의 명상적, 철학적 자세의 영향을 받았다.

 

 

음악가들

 

1) Philip Glass(1937 - )

Philip Glass는 20 세기 현대 클래식 음악 분야에 지대한 공헌을 한 미국 작곡가, 재즈 뮤지션이다. 그는 1937년 1월 31일 메릴랜드 주 볼티모어에서 태어났다. Glass는 1960년대 말과 1970년대 초에 등장한 독특하고 영향력 있는 스타일인 종종 미니멀리스트 음악의 창시자라고 일컬어지는 음악가로 시카고 대학에 조기 입학해 문학, 역사, 철학, 과학 등의 영향을 받았으며 1958년 줄리아드 음악원 1964년 파리 나디아 블랑제, 그 후 인도 음악의 거장 라비 샹카르로부터 사사했다.

Glass의 음악은 반복적인 구조, 단순한 조화 진행, 리듬 패턴에 중점을 둔 것이 특징이다. 그의 작곡은 종종 꾸준한 박동 리듬과 음악적 질감의 점진적인 변화를 특징으로 한다. Glass의 미니멀리스트 접근 방식은 음악적 아이디어의 반복과 변형을 강조하여 매혹적이고 명상적인 효과를 만든다.

Glass의 가장 주목할만한 작품 중 하나는 Robert Wilson과 공동으로 만든 오페라 "Einstein on the Beach"입니다. 이 획기적인 작품은 1976년 초연되었으며 Glass의 반복적인 모티프와 확장된 지속 시간의 혁신적인 사용을 선보였다. 이 오페라는 큰 성공을 거두었으며 Glass를 현대 음악계의 주요 인물로 자리매김했다.

그의 경력 전반에 걸쳐 Glass는 교향곡, 협주곡, 현악 4중주, 실내악, 영화 악보 및 오페라를 포함한 방대한 작품을 작곡했다. "Koyaanisqatsi", "The Hours", "The Truman Show"와 같은 그의 영화 음악은 상당한 찬사를 받았으며 그의 음악을 더 많은 청중에게 소개되었다. Glass의 영향력은 클래식 음악 영역을 넘어 확장된다. 그의 미니멀리스트 스타일은 록, 일렉트로닉, 대중 음악을 비롯한 다양한 장르의 많은 작곡가, 음악가 및 아티스트에게 영감을 주었다. 그의 반복적인 구조와 최면 리듬은 Brian Eno, David Bowie, Aphex Twin과 같은 아티스트의 작품에서도 엿볼 수 있다. Philip Glass는 경력 전반에 걸쳐 수많은 상과 영예를 안았다. 그는 여러 그래미상, 골든글로브상, 영화음악으로 아카데미상 후보에 올랐다. 2002년도에는 스티븐 달드리 감독의 내가 참으로 좋아하는 영화 디 아워스 The Hours로 아카데미 상을 받았으며 2015년에는 미국 정부가 예술가에게 수여하는 최고의 영예인 National Medal of Arts를 수상했다.

25개 이상의 오페라, 11개의 교향곡, 수많은 협주곡 및 수많은 기타 작곡을 통해 필립 글래스는 현대 클래식 음악의 세계에 지울 수 없는 흔적을 남겼다. 그의 독특한 스타일과 개척 정신은 계속해서 전 세계 관객에게 영감을 주며 사로잡는다. 그의 자서전으로 『음악 없는 말 Artist of Now』이 있다. 브루클린의(Brooklyn Academy of Music in New York City)에서는 다음과 같이 그를 묘사했다.

“Like Handel and Bach, a pair of contemporaries” Steve Reich and Philip Glass, from left, during their music reunion at the Brooklyn.

 

 

 

 

2) Steve Reich(1936 ~ )는 매우 영향력 있는 미국 작곡가이자 미니멀리즘 음악의 선구자이다. 그는 1936년 10월 3일 뉴욕시에서 태어났다. Reich의 작품은 반복적인 패턴, 점진적인 프로세스, 리듬 및 페이징 기술에 중점을 둔 것이 특징이다. 그는 현대 클래식 음악의 발전에 지대한 공헌을 했으며 전자 음악과 대중 음악을 비롯한 다양한 장르에 지대한 영향을 미쳤다.

라이히의 음악 스타일은 당시 아방가르드 음악의 복잡성과 불협화음에 대한 반작용으로 1960년대에 등장했다. 그는 음악적 요소를 단순화하고 반복과 점진적 변형의 효과를 탐구했다. 그의 가장 주목할만한 초기 작품 중 하나는 "It 's Gonna Rain"(1965)로, 테이프 루프와 반복되는 설교 조각이 등장하여 매혹적인 효과를 낸다.

1970년대에 Reich는 여러 연주자가 연주하는 리듬 패턴을 점진적으로 바꾸는 "페이징"이라는 기술을 개발했다. 이 기법은 "Piano Phase"(1967) 및 "Clapping Music"(1972)과 같은 그의 유명한 작곡에서 들을 수 있다. 이 작품들은 리듬에 대한 그의 혁신적인 접근 방식과 음악적 시간의 탐구를 보여준다.

Reich의 또 다른 중요한 작품은 "Music for 18 Musicians"(1976)이다. 반복되는 멜로디 패턴과 하모니의 독특한 사용을 보여주는 1시간 길이의 작곡이다. 이 작품은 다양한 악기와 목소리로 채점되었으며 그의 독특한 스타일과 작곡 방식을 포착한 그의 걸작 중 하나로 여겨진다.

Reich의 후기 작품은 계속해서 경계를 넓히고 새로운 아이디어를 탐구했다. 그는 "Drumming"(1971-1974) 및 "Different Trains"(1988)와 같은 작곡에 아프리카 드럼 연주 및 발리식 가멜란과 같은 세계 음악의 요소를 통합했다. 후자의 작품은 라이브 음악가와 사전 녹음된 목소리 및 기차 소리를 결합하여 홀로코스트와 제2차 세계 대전 중 유대인 개인의 경험을 반영한다.

그의 경력 전반에 걸쳐 Reich는 "Double Sextet" 작곡으로 2009년 퓰리처 음악상을 포함하여 수많은 상과 명예를 받았다. 현대 음악에 대한 그의 영향은 그의 미니멀리스트 미학이 대중 음악가, 전자 음악 프로듀서 및 영화 작곡가에게 영향을 미쳤기 때문에 클래식 영역을 넘어 확장된다.

그는 20세기와 21세기의 가장 중요하고 존경받는 작곡가 중 한 사람이다. 그의 혁신적인 반복 사용, 페이징 기술 및 리듬 탐구는 음악적 지형을 재편했으며 여러 세대의 작곡가와 연주자에게 계속 영감을 주고 있다.