"몸 보신 시켜줄게. 만나."
가게를 정리하고 이사를 하고 새 직장을 구하며
연속된 긴장감이 풀어지자 독감이 몰려왔다.
업친데 덥친 격으로 눈이 오는 날
미끄러져 발목 인대까지 파열되는 사태에 이르니,
일주일을 꼼짝없이 집안에 갇혀 지냈는데
도무지 입맛이 없어
죽지 않을 만큼만 먹고 지냈다.
딸기가 무척 먹고 싶었지만,
아픈 다리를 끌고
3층 계단을 오르내릴 수 있는 자신감도 없고,
그러던 중
살기 위해 출근하는 날,
친구에게서 전화가 왔다.
덕분에 오랫만에 우정 명태에 들려
2인분을 시켰으나
그녀도 나도 독감의 휴우증으로 3분 1이나 먹었을까?
남은 것은 포장으로 2일을 더 먹었다.
"뭐야?"
그녀가 쥐어주는 봉투를 보고 깜놀,
"먹고 싶은 것 있으면 사먹으라고."
웬 용동까지 두둑이 챙겨준다.
없는 살림에
병원비가 10만원을 훌쩍 넘어,
아슬아슬한 생활비에 이런 행운이 내리다니,
염치없고, 고맙기도 하고.
그래서 죽으란 법은 없나보다.
"우린 살기 위해서 먹어야 하니?"
"그러게"
"그냥 곡기 끊고 가도 되지 않겠니?"
"그럴까? 미련도 없는데 뭘?"
"근데 난 아들 장가는 보내야하지 않겠니?"
"난 살 이유가 없긴 한데. 아직은 소풍을 연장할까봐"
씁쓸한 미소를 지으며,
내가 아직 살아있어야 할 이유를 생각해보고 또 생각해보지만,
딱히 아직 그 이유를 발견치 못했으니,
어쩌란 말인가?
오늘의 앨범 Nica의 Tempo 는 Gigi Gryce 가 1955 년에 녹음 한 것으로 앨범의 타이틀은 셀로니어스 몽크와 찰리 파커등과 같은 재즈 뮤지션의 후원자인 Nica de Koenigswarter (Kathleen Annie Pannonica Rothschild가문 출생 영쿡 태생의 재즈 후원자이며 작가/ 그녀는 비밥 뮤지션들을 후원했다.), "Bebop Baroness(비밥 여자 남작)"또는 "The Jazz Baroness"와 관계가 있다...아마도 그녀에게 헌정의 의미로 Gryce가 작곡했으리라.
이 앨범은 원래 Gigi Gryce Quartet And Orchestra (신호 S 1201)로 발매되었다. 판권은 나중에 1958 년에 이 앨범 재발행한 사보이 녹음에 의해 취득되었다.
Gigi Gryce의 스튜디오 앨범 Nica's Tempo(1955년)
레이블: Savoy (원래는 Signal Records).
녹음일: 1955년 10월 15일과 22일
발매일: 1955년
길이: 34:08
스타일: Hard Bop
Track listing
1."Speculation" (Horace Silver) – 4:03
2."In a Meditating Mood" (Gigi Gryce) – 4:22
3."Social Call" (Gryce, Jon Hendricks) – 2:43
4."Smoke Signal" (Gryce) – 3:42
5."(You'll Always Be) The one I Love" (Gryce) – 3:28
6."Kerry Dance" (traditional) – 3:00
7."Shuffle Boil" (Thelonious Monk) – 4:59
8."Brakes Sake" (Monk) – 4:45
9."Gallop's Gallop" (Monk) – 5:25
10."Nica's Tempo" (Gryce) – 6:06
Personnel
Gigi Gryce – alto sax (all tracks)
Tracks 1, 2, 4, 6: Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey, October 22, 1955
Art Farmer – trumpet
Jimmy Cleveland – trombone
Gunther Schuller – french horn
Bill Barber – tuba
Danny Bank – baritone sax
Horace Silver – piano
Oscar Pettiford – bass
Kenny Clarke – drums
Tracks 3, 5: Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey, October 22, 1955
Art Farmer – trumpet
Eddie Bert – trombone
Julius Watkins – french horn
Bill Barber – tuba
Cecil Payne – baritone sax
Horace Silver – piano
Oscar Pettiford – bass
Art Blakey – drums
Ernestine Anderson – vocals
Tracks 7-10: Rudy Van Gelder Studio, Hackensack, New Jersey, October 15, 1955
Gigi Gryce – alto sax
Thelonious Monk – piano
Percy Heath – bass
Art Blakey – drums
https://youtu.be/f6D7vIKeLwQ?list=PLNxHJQDHuTCpHMW5LBzcxho7CTxnZnuic
1.
Gigi Gryce ( 조지 General Grice Jr. , 1925 년 11 월 28 일 - 1983 년 3 월 14 일)는 미국 재즈 색소폰 연주자, 연주자, 클라리넷 연주자, 작곡가, 편곡자 및 교육자였다.
그의 경력은 상대적으로 짧았지만 플레이어, 작곡가 및 편곡자로서의 많은 작품은 그의 시간 동안 상당히 영향력이 있었고 잘 알려져있었다. 그러나, Glyce는 갑자기 1960 년대에 재즈 경력을 끝냈다. 이것은 매우 사적인 사람으로서의 성격 외에도 오늘날 Gryce에 대해 알려진 것은 거의 없다. 그의 작품 중 몇 곡은 광범위하게 다루어졌으며 ("Minority", "Social Call", "Nica's Tempo")등이 재즈 표준이 되었다. Gryce의 구도는 Benny Golson , Tadd Dameron , Horace Silver 와 비슷한 하모니 선택을 포함한다. Gryce의 연주, 편곡 및 작곡은 고전적인 하드 밥 시대 (대략 1953-1965)와 가장 관련이 있다. 그는 잘 교육받은 작곡가이자 음악가였으며 보스턴 음악원 (Boston Conservatory)에서 학생으로 고전 작품을 저술했다. 재즈 뮤지션이자 작곡가인 그는 Charlie Parker 와 Thelonious Monk 의 작품에 큰 영향을 받았다.
이른 인생
George General Grice Jr.는 1925 년 11 월 28 일 플로리다 주 펜사콜라에서 태어났다.
그의 가족은 음악, 매너 및 훈육에 대한 강한 강조를 통해 어린 시절과 그의 후기 직업에 커다란 영향을 미쳤다. Grice의 부모는 겸손한 분들이었고, 그의 어머니는 재봉사였고 그의 아버지는 작은 청소 및 긴급 서비스를 하는 일을 했다. 그 가족은 아프리카 감리 교회에 소속되었고 열심히 봉사했다. 특히 대공황이 가족의 재정적인 복지에 영향을 미치기 시작했을 때, The Grices는 자녀들에게 징계와 노력의 가치를 심어주기 위해 최선을 다했다. Grice 가정에서는 음악이 매우 강조되었다. 가족은 집안에 피아노를 가지고 있었는데, Gigi와 그의 형제자매 (네 명의 누이 자매와 한 남동생)가 연주하는 것을 권장 받았다. 대부분의 교회 음악은 Grice 집에서 공연되었지만 팝과 재즈는 대부분 눈살을 찌푸리게 되었다. (그러나 나중에 Gigi가 직업으로 재즈를 추구했을 때, 그의 어머니와 누나는 그를 개인적으로나 경제적으로 지원했다.) Grice 아이들의 상당수는 교회, 학교 및 기타 지역 사회에서 성악 공연을 할 것을 권장했다. 한동안 가족은 매주 마다 집에서 리사이틀을 개최했다.
30 대 초반은 Grice 가정의 비극과 어려움이 닥쳤다. 1931 년, 대공황 의 경제 위기가 보류되기 시작하자, The Grices는 청소 사업을 다른 사람에게 넘겨야 했다. 2 년 후, Gigi의 아버지 George Sr.는 심장 마비로 사망했다. 레베카 그리이스 (Rebecca Grice)는 집을 임대하기 위해 가족을 이사하면서 자녀를 양육해야했다. 그러나 이러한 어려움을 극복하고도 레베카는 엄격하고도 지지력 있는 육아, 음악 개발, 노력, 훈육 및 기독교 도덕을 통해 성공을 위한 자녀의 동기를 계속 유지했다.
Gigi는 음악에 대한 열정에 대한 그의 열정에 가족의 감각을 적용했다. 젊었을 때의 Gigi는 자연스럽고 밝은 그러나 보류하고, 극단적으로 예절 바르고, 공부하고, 형식적으로 기술되었다. Gigi가 클라리넷을 처음 배우기 시작한시기는 정확히 불분명하다. 그가 9 살이나 10 살 때부터 시작했을지도 모른다고 소문났지만, 고등학교에 입학하면서 그에 대한 첫 번째 증거가 나중에 나온다. under-resourced와 현재로서는 주로 흑인 Booker T. Washington 고등학교에는 Federal Music Project를 통해 일련의 음악 교사가 있었다. Gigi는 Joseph Jessie와 나중에 Raymond Shepard와 함께 공부했다. 많은 사람들이 그러했듯이, 음악 악기는 대공황 때 그에게는 큰 부담이었다. Gigi와 그의 형제 Tommy가 Shepard와 클라리넷을 공부했을 때 그들은 매 수업 전에 직접 똑같은 클라리넷을 친구에게서 빌렸다고 한다. 마침내 Gigi의 어머니는 그의 클라리넷을 구입할 수 있었다. Gigi는 고등학생으로서 학교와 국가 경쟁에서 우승을 차지했다. 학교에서 Gigi는 음악 이론을 공부할 수 있었고, 그는 집에서 피아노를 아주 즐겁게 탐구했다 .
초기 음악 경력
Gryce는 1943 년 고등학교를 졸업하고 1944 년 3 월 해군에 입대하기 전 조선소에서 일하면서 Raymond Shepard의 프로페셔널 밴드에서 일했다. Gryce는 2 년 임기 동안 계속해서 음악을 추구하여 해군에서 복무했다. 음악가의 2 등석 등급 획득했다. 일리노이 주 오대호에 주둔하고 있는 동안, Gryce는 잎 동안 시카고에서 시간을 보내고 bebop의 소리에 대해 더 많이 알게 되었다. 이 시간에 그는 자신의 알토 색소폰을 사고 시카고에서 Andrew "Goon"Gardner와 Harry Curtis 뮤지션을 만났다. Gryce는 시카고 음악원 (Chicago Conservatory of Music) 에서 간단히 공부했을 수도 있다.
해군에서 그의 시간을 마친 후에, Gryce는 그의 음악 교육을 계속하기로 결정했다. GI 법안은 그의 어머니와 누나들뿐 아니라 재정적 지원을 받았다. 그는 1946 년에 여동생 해리엇과 남편과 함께 살기 위해 하트 포드로 이사했으며, 다음 해에는 보스턴 음악원 (Boston Conservatory)에 등록했다. Boston Conservatory에서 Gryce는 이론적 배경을 발전시키고 다른 작품과 함께 3 개의 교향곡과 발레를 작곡하여 고전 작곡을 공부했다. 그는 보컬 음악원의 작곡가 앨런 호 바니스 (Alan Hovhaness )의 작곡과 철학에 영향을 받아 매우 영감을 받았으며 멜로디즘과 서정성에 대한 열정을 가진 음악 절충주의자였다.
음악 학교에서 근무하는 동안 그는 재즈 뮤지션, 작곡가 및 편곡자로서의 커리어에 커다란 영향을 미칠 하트 포드, 보스턴 및 뉴욕 재즈 장면에서도 관계를 발전 시켰다. 뉴욕은 당시 최첨단 재즈로 잘 알려져 있었지만 Boston과 Hartford는 활발하고 혁신적인 재즈 장면의 사이트였다. Gryce는 두 도시를 오가며 Sabby Lewis , Phil Edmonds , Bunky Emerson 등 현지 밴드를 위해 편성했다. Gryce는 Bartok과 Stravinsky의 작품에 대한 이론적 배경과 열정을 발전 시켰지만, 동시에 Charlie Parker와 Thelonious Monk의 작품에 대한 집착을 이끌어 냈다. 그는 1949 년경에 익숙해지고 연주했다. Gryce는 명성을 쌓았다. 훈련 받고 재능 있는 예술가였으며, 보스턴과 하트 포드 지역에서 상대적으로 유명 해졌다. 그는 또한 뉴욕시를 탐험하기 시작했으며, 50 년대 초반에 결국 자신을 발전시킬 수 있었다.
Gryce는 1951 년 Fulbright 장학금으로 파리를 방문하여 Nadia Boulanger 와 Arthur Honegger 와 함께 공부했다는 소문이 돌았다. 그러나 Gryce의 삶에서 이 기간을 둘러싼 많은 혼란과 소문이 있으며 Gryce가 Fulbright를 받거나 두 명의 작곡가와 함께 공식적으로 연구했음을 암시하는 증거는 없다. Gryce는 유럽에서 공부하기 위해 두 학기를 쉬었지만 여행에 대해서는 거의 알려지지 않았다. 그는 개인적으로 작곡가와 함께 공부했을 가능성이 있다. Gryce는 자신의 자격 증명을 입증하기 위해 Fulbright 소문을 전파했지만 Gryce는 평생 동안이 시간에 대해 말할 것도 거의 없었다.
뉴욕, 라이오넬 햄튼 밴드, 유럽
1952 년 작문 학위를 받고 졸업한 Gryce는 뉴욕시로 이전하여 50 대 중반에 많은 성공을 거뒀다. 1953년 Max Roach 는 Gryce의 차트 중 하나를 자신의 음반에 녹음했으며 Gryce가 Howard McGhee 와 함께 녹음한 직후 Horace Silver 의 육성 녹음을 썼다.
Gryce는 Tadd Dameron의 영향을 받았고, 그는 1953 년 Paradise Club에서 연주했다. Gryce는 아직 음악가 또는 솔리스트로서의 절정에 이르지 못했지만 다재다능하고 재능 있는 작곡가이자 편곡가로서 명성을 얻고 있었다. 나중에 1953 년 Gryce는 Art Farmer 's Prestige 녹음에 "Quincy 's Place에서 Up"이라는 곡을 공헌했다. 이 녹음은 다소 중요하지는 않지만 Farmer는 Gryce의 가장 친한 동료 중 하나가되었다.
Gryce가 뉴욕에서 만들었던 가장 중요한 관계 중 하나는 Lionel Hampton 이 1953 년 여름 밴드에서 Gryce를 고용하도록 권유한 Quincy Jones 와 함께했다. 미국의 Hampton 밴드와 함께 연주하면서 Gryce는 유럽 투어를 했다.
햄프 턴 밴드의 스타일이 시대에 뒤떨어져 Gryce의 눈으로 지나치게 상업화되었지만, 유럽 여행을 통해 얻은 기회와 관계는 Gryce가 예술가로서의 성공을 이끄는 주요 원인이었다. 햄튼 밴드에서 안무가 Anthony Ortega, Clifford Solomon (tenor saxophone), Clifford Scott, Oscar Estelle (baritone saxophone), Walter Williams (trumpet), Art Farmer, Clifford Brown, Quincy Jones, Al Hayse, Jimmy Cleveland, George "Buster" Cooper, William "Monk" Montgomery, Alan Dawson등과 함께 연주했다. Gryce는 특히 Clifford Brown과 친한 친구가 되었다. 햄프턴 투어는 잘 지불하지 않았고, Gryce와 다른 사람들은 종종 유럽인들이 여행하는 미국인을 녹음하기를 열망하는 스톡홀름과 파리에서 측면에서 녹음 기회를 모색하기도 했다. 젊은 비밥이 영향을 준 음악가와 햄튼 자신을 포함해 설립 된 스윙 뮤지션 사이의 밴드에서 이미 긴장감이 있었고, 햄튼은 음악가가 녹음하는 것을 듣고 반응이 좋지 않았다.
Gryce가 Clifford Brown과 다른 사람들과 함께 투어에서 만든 녹음은 종종 서둘러 완료되었지만 작곡가로서의 경력 개발에 중요한 역할을 했다. 이 유럽 녹음의 주목할 만한 작품은 "Paris the Beautiful"였으며, 세 번째로 색조 센터가 있고, Gryce가 Parker에 영향을 받은 솔로가 있다. 큰 재즈 앙상블을 위한 협주곡인 "Brown Skins"; Gryce-Brown 육성가가 녹음한 "Blue Concept"; 그리고 A flat과 G major 사이에서 진동하는 "Strictly Romantic". 또한, Henri Renaud 는 그의 명성을 쌓기 위해 많은 노력을 한 Gryce의 작품을 독점적으로 앨범 전체를 녹음했다.
미국에서의 직업
Gryce와 Hampton 밴드의 다른 인원은 1953 년 11 월에 뉴욕으로 돌아 왔고, 하드 밥 장면이 막 시작하기 시작했다. 이것은 Gryce가 현장에 도착하기에 완벽한 시기였다. 그가 돌아오자마자 Henri Renaud와 함께 녹음했고 Art Blakey는 EmArcy 레코드에 Gryce의 노래 7 곡을 녹음했다. Gryce는 1954 년 3 월에 Farmer와 5 중주 레코드를 처음 녹음 한 5 중주를 만들었다. 피아니스트 Horace Silver, 베이시스트 Percy Heath , Drummer Kenny Clarke가 포함되었다. Gerce의 Farmer와의 작품은 그의 가장 영향력 있고 가장 잘 알려진 작품이다. 그 해 6 월, Gryce는 Farmer와 다시 한 번 작곡가이자 편곡가로서 독점적으로 녹음했다. Farmer와 Gryce가 세 번째 프로젝트를 시작했을 때, 그들은 창조적 인 걸음을 시작했다.
Farmer-Gryce 5 중주에 의해 1955 년 5 월에 만들어진 레코드는 피아니스트 Freddie Redd , 베이시스트 Addison Farmer 및 드러머 Art Taylor를 특징으로 했다. 이 세션은 주제 발달에 대한 Gryce의 느낌, 예를 들어 예술적으로 작곡되고 배열된 모든 것을 보여주었다. 나중에 1955 년에 Gryce는 또한 Oscar Pettiford의 8중주단을 위해 연주하고, 녹음을 위한 Percy Heath 그리고 예술 Blakey를 가진 Thelonious Monk의 녹음에 알토를 연주하는 기회를 얻었다. [
Gryce가 성공하게 된 마지막 티켓은 1955 년 10 월 Farmer Quintet에서 녹음 한 세 번째 곡이었으며, 그 후 즉시 Signal Records에 녹음되었다. Farmer 기록은 비표준 양식과 하드 밥 이디엄의 한계를 밀어 낸 모험심이 특징이었다. 그의 신호 녹음 계약은 Miles Davis의 Cool of Birth 그룹의 스타일과 악기에 크게 영향을 받았으며 재즈 커뮤니티에서 큰 호응을 얻었다. 1950 년대 중반까지 Gryce는 훌륭한 개인 주의자, 유능한 스튜디오 음악가 및 혁신적인 작곡가로 알려진 재즈의 주요 인물이었다.
출판 경력
그의 음악 경력 외에도, Gryce는 작곡가와 음악인의 권리에 대한 열렬한 지지자였다. 1955 년에 그는 자신의 출판사인 Melotone Music을 시작했으며 나중에 Totem이라는 회사를 설립했다. 이것은 특히 흑인 음악가들이 음악 산업을 이용했을 때였다. 많은 뮤지션들이 자신의 커리어의 비즈니스 측면을 소홀히 했거나 음반사에 의해 적극적으로 속임을 당했다. 작곡가인 Gryce는 항상 자신의 작품에 대한 칭찬을 얻고 동료들에게도 똑같이 하도록 권장했다. Silver는 Gryce가 Ecaroh 음악 회사와 Silveto 레이블을 찾도록 고무시킨 것에 크게 기여했다. 1960 년대 초 Gryce의 재정적 어려움에 대해서는 거의 알려지지 않았지만, 이 어려움은 Gryce가 재즈 커뮤니티에서 붕괴되고 철수하는 데 큰 도움이 되었다.
거부
Gryce는 1957 년에 그의 경력이 최고가 될 때까지 1956 년까지 최첨단에 머물러있었다. Teddy Charles Tentet 과 Oscar Pettiford Orchestra 와 함께 작곡가 겸 편곡자로 여러 프로젝트에 참여 했다. The Tentet은 Charles Mingus의 재즈 작곡가 워크샵의 시작으로 실험적인 성격을 지녔지만 공연 댄스 밴드로 성공했다. 오스카 페티 포드 오케스트라와의 작업도 매우 잘 알려져 Gryce 자신뿐만 아니라 참여한 음악가들에게도 상당한 관심을 불러 일으켰다.
1957 년 Gryce와 Donald Byrd는 Jazz Lab 과 일련의 프로젝트를 공동 작업하여 교육용 도구로 연극 녹음을 제작했다. Gryce의 준비는 신선했지만 액세스가 가능하고 교육 목적에 맞게 조정되었다. 리듬 섹션은 솔로 연주자와 함께 연주하여보다 자연스러운 느낌을 주었다. 그룹은 뉴 포트 재즈 페스티벌 (Newport Jazz Festival)에서도 공연을 했으며, 다소 미온적인 공연을 선보였다.
1957 ~ 60 년에는 Gryce를 위한 일련의 기타 프로젝트를 있었다. 그는 Jazz Lab에서 계속 연주했으며 Betty Carter , Art Famer, Jimmy Cleveland, Curtis Fuller 및 Max Roach를 위해 작곡을 계속했다. 그는 자신의 5 중주를 위해 작곡했다. 그는 1960 년에 생동감 있는 에디 코스타 (Eddie Costa) 를 추가한 후에 오르막 테트 (Orch-tette)로 이름을 바꿨다. 오크 테텟 (Orch-tette)의 녹음은 잠 재력이 있었지만 솔로를위한 공간이 제한된 복잡한 배열을 특징으로 했다. Gryce는 Phil Baker의 on the Sound 에 대한 영화주제곡과 Randy Weston 의 Uhuru Afrika에 대한 최종 스튜디오 녹음을 포함하여 1960 년에 다른 프로젝트에 참여했다. 그러나 이번에 Gryce는 출판사와 관련된 비즈니스 문제와 가족 문제에 정신이 팔렸다. Gryce의 하드 밥 (hard bop) 장르는 실험적인 긴장감을 불러일으키기 시작했다. 1963 년경, Gryce는 재즈 경력을 완전히 철회했다.
개인 생활
어린 시절부터 Gryce는 항상 사적이고 공식적인 처분을 받았다. 그는 동료들에게 매우 좋았지만, 종종 지역 사회의 외부인이었다. Gryce는 또한 동료들 사이에 흔한 술, 마약 및 기타 악의적 인면을 엄격히 지키는 엄격한 도덕적 생활 방식을 따랐다.
가족생활
Gryce는 1953 년 Eleanor Sears와 결혼하기 전에 두번의 로맨틱한 관계를 가진 것으로 알려져 있다. Gryce는 해군에 복무하는 동안 Pensacola의 Evelyn "Baby"Dubose와 짧은 관계를 맺었다. 그는 보스턴에서 근무하면서 보컬리스트 Margie Anderson 과 캐주얼한 관계를 유지했다. 1953 년 12 월 20 일, 라이오넬 햄튼 투어에서 돌아온 직후, 그는 Idrees Sulieman에 의해 소개 받았던 엘레 노어 시어스 (Eleanor Sears)와 결혼했다.
그들은 세 명의 자녀를 낳았다.: Bashir (1957 년 출생); 라일라 (Laila, 1959 년생); 와 르넷 (Lynette, 1963 년생). 그들은 또한 조기에 태어났으며 유아기 동안 생존하지 못했고1958 년에 Bilil이라는 아이를 낳았다.
이슬람교로의 전환
Gryce는 항상 엄격한 도덕 감수성을 가진 것으로 묘사되었다. 그는 1950 년 초 이슬람에 관심이 있었을 수도 있고, 학생이 종교 역사에 관심을 갖게 되었을 수도 있다. 1953 년 보스톤 음악원 (Boston Conservatory)에서 그는 코란 (Qur'an)의 수라 (surah)에 대한 그의 교향곡 "Gashiya"중 하나를 지명했다. Gryce는 자신의 개종을 누가, 누가 촉구했는지 거의 밝히지 않았지만 이슬람은 50 대 흑인 재즈 뮤지션, 특히 Ahmadiyya , 이슬람 국가 및 수니파 이슬람교 사이에서 점점 더 인기 있는 믿음이었다. Gryce는 대학 시절 동안 유럽 여행 중 또는 직후에 개종했다고 믿어진다. Gryce가 회교 교당을 정기적으로 참석하지 못하는 동안, 그는 Qur'an를 읽고 마약, 알콜 및 돼지고기를 먹는 것을 삼가했다. 그의 신앙은 연습하는 크리스천이 된 엘레 노어와의 결혼 생활에서 다소 긴장감을 불러 일으켰다. 많은 Gryce의 작곡에는 이슬람교 칭호가 주어졌으며, 처음 두 명의 어린이도 이슬람교의 영감을 받았다.
철수, 가르치는 경력 및 죽음
이 시기는 많은 오해와 소문이 특징이기 때문에 재즈에서 Gryce가 퇴각하는 본질에 대해서는 거의 알려지지 않았다. Gryce는 사업상의 어려움에 대해 거의 밝히지 않았지만, 그의 출판 사업이 Melotone과 Totem에서 철수한 많은 음악가와 함께 1960 년대 초 재정적 어려움을 겪었다. 많은 동료들은 강력한 관심이 Gryce의 출판 활동을 위협으로 간주하고 그를 사업에서 제외 시켰다고 믿는다. 소문은 그의 가족에 대한 위협과 협박에 관한 것이었다. 이 소문은 확인되지 않았지만, Gryce의 행동은 이 기간 동안 극도로 내향적이고 불규칙적이었다. 그는 1963년에 출판사를 해산하고 그의 음악 경력을 포기하고 이후 이슬람의 이름인 Basheer Quisim을 채택했다.
1960 년대에 Gryce는 뉴욕에서 공립학교 교사로 활동했다. 그는 평생 동안 교육에 다소 관심이 있었으며 뛰어난 음악 강사라고 불렸다. 그는 1978 년 포드 햄 대학교 (Fordham University) 에서 교육학 석사 학위를 받았으며 교육에 대한 놀라운 열정을 발전 시켰다. 그는 브롱크스의 53 번 초등학교에서 영원한 유산을 남겼다. 이 시간에 Gryce와 마주 친 학생, 동료 및 학부모는 그를 매우 사적이고 진지하고 열정적이며 돌보는 사람으로 알았다. 음악을 통한 문맹 퇴치를 믿는 Gryce는 엄격하지만 보살피는 선생님이었으며, 대부분의 흑인과 히스패닉 학교에 소속되어있는 교육 위험에 처한 학생을 돕기 위해 나섰다.
Gryce는 1983 년 3 월 14 일 점점 더 심해지는 심장 발작으로 사망했다. 그는 사망하기 전에 다시 가족과 만나 거의 30 년 만에 펜사콜라를 처음 방문했다.
뮤지컬 스타일, 영향 및 유산
그의 작업은 여러 면에서 하드 밥 시대의 관행을 보여주는 반면, Gryce는 항상 일반적인 관행의 한계를 극복하려고 했다. 광범위한 이론적 배경을 지닌 교육을 받은 작곡가로서, Gryce는 자신의 스타일이 개발됨에 따라 형식이 자유로운 조화, 형식 및 계측이 가능했다. 그의 초기 음악 중 하나인 "Up in Quincy 's Place"에서 Gryce는 멋진 재즈 시대에 대중화 될 수 있는 연습인 쿼트 하모니를 자주 사용하면서 자신의 시대보다 앞섰다.
Farmer와의 그의 작곡과 준비는 비표준 형식과 하모니를 계속했다. 테디 찰스 텐 테트 (Teddy Charles Tentet)와 오스카 페티 포드 오케스트라 (Oscar Pettiford Orchestra)와의 작업에서 특히 하드 밥에 대한 그의 접근은 실험적으로 접근 할 수 있는 길을 걸어왔다. 실험 작곡가로서 그의 목표는 한계가 없는 재즈가 아니라 솔리스트를 해방시킨 경계를 제공하는 형식이었다.
Gryce는 매우 성취된 색소폰 연주자, 클라리넷 연주자 및 연주자였지만 그의 연주는 그의 작곡보다 덜 혁신적이었다. 색소폰 연주자로서 그는 항상 50 대 중반에 우상화하고 친구가 된 Charlie Parker의 영향을 많이 받았다. 동시대인은 Parker가 때때로 Gryce의 경적을 빌릴 것임을 상기한다.
2.
아서 스튜어트 파머 ( Arthur Stewart Farmer, 1928년 8월 21일 - 1999년 10월 4일)는 미국의 재즈 트럼펫 연주자이자 플루겔혼 연주자였다. 그는 또한 그를 위해 특별히 설계된 트럼펫과 플루겔혼 조합인 플럼펫flumpet을 연주했다. 그와 그의 동생인 더블 베이시스트 인 Addison Farmer는 고등학교를 다니는 동안 전문적인 연주를 시작했다. Art는 1952년에 Farmer 's Market을 발표한 후 큰 주목을 받았다. 그는 로스 앤젤레스에서 뉴욕으로 건너가 Horace Silver, Sonny Rollins, Gigi Gryce와 같은 음악가와 공연 및 녹음을 하고 주로 비밥 연주자로 알려져 있다.
파머의 명성이 커지면서 그는 조지 러셀 (George Russell)이나 테디 찰스 (Teddy Charles)와 같은 작곡가들과의 작업을 통해 비밥 (bebop)에서 실험적인 형태로 발전했다. 그는 Gerry Mulligan의 4 중주와 Benny Golson과 합류하여 Jazztet을 공동 설립했다. Farmer는 1960년대 초 자신의 사운드를 계속 개발하면서 트럼펫에서 따뜻한 플루겔혼으로 전환했으며 플루겔혼을 재즈의 솔로 악기로 사용하는 것을 도왔다. 그는 1968년에 유럽에 정착했고, 그의 죽음까지 국제적으로 계속 여행했다. Farmer는 자신의 이름으로 50 개 이상의 앨범을 녹음했으며, Jazztet과 함께 12개, 다른 리더들과 수십 개의 앨범을 녹음했다. 그의 개성적 연주로, 즉 서정성과 따뜻한 음색으로 알려져 있다.
이른 인생
아트 파머 (Art Farmer)는 1928년 8월 21일 아이오와 주 Council Bluffs에서 쌍둥이 형제로 한 시간 일찍 태어났다. 부모인 James Arthur Farmer와 Hazel Stewart Farmer는 소년이 4 세 때 이혼했고, 철강 노동자의 아버지는 그 후 얼마 지나지 않아 직장에서 사망했다. : Art는 할아버지, 할머니, 어머니, 형제, 자매와 함께 애리조나 피닉스 (Phoenix, 애리조나 주) 로 옮겼다. : 그는 초등학교에서 피아노를 치기 시작한 후 베이스 튜바와 바이올린으로 이동하여 코넷으로 정착한 후 13 세에 트럼펫을 연주했다. : 그의 가족은 음악을 즐기는 가족이었다.: 그들 중 대부분은 취미로 연주했고, 하나는 전문 트롬본 연주자였다. 파머의 할아버지는 아프리카 감리교 성공회 (African Methodist Episcopal Church) 의 목사였다. 그의 어머니가 교회 성가대를 위해 피아노를 치기 때문에, 이것은 Farmer의 악기 선택에 영향을 미쳤다. 베이스 튜바는 행진 밴드에서 사용하기위한 것이었고 코넷이 생길 때까지 1 년 동안 파머의 악기였다. Phoenix 학교는 분리되어 있었고 Farmer에게 학교의 아무도 유용한 음악 수업을 제공 할 수 없었다. 그는 독학으로 음악을 읽고 새로운 주요 악기인 트럼펫을 연습했다.
Farmer와 그의 동생은 1945년 로스 앤젤레스로 옮겨 음악 제퍼슨 고등학교에 다니며 음악 교육을 받았고 Sonny Criss, Ernie Andrews, Big Jay McNeely, Ed Thigpen과 같은 다른 뮤지션을 만났다. 형제들은 냉장창고에서 일하고 전문적으로 연주하며 돈을 벌었다. 아트는 16세 때 전문적으로 트럼펫 연주를 시작했다. : Horace Henderson, Jimmy Mundy, , Floyd Ray와 같은 밴드에서.
이 기회는 그의 능력과 제 2 차 세계 대전 이후 여전히 군대에 있었던 수많은 오래된 뮤지션들의 부재로 인해 생겼다. 파머 대변인은 "로스 엔젤레스에서 음악 개발의 기회가 많았지만, 그날에는 누군가의 집에 가서 연주했고 밤에는 시간외 모임 [...] 플레이하고 싶었던 사람은 자유롭게 나와 연주할 수 있었다. " : 파머는 일찌기 고등학교를 그만 뒀지만, 교장에게 그가 졸업할 때까지 졸업장을 주도록 설득했다. 졸업은 1958년 학교를 방문할 때까지는 하지 않았다.
로스 앤젤레스의 사춘기 때, 비밥과 스윙 시대의 빅 밴드 모두 파머의 관심을 끌었다. :
몇 십년 후, 그는 “ 그 당시, 나는 재즈에 있어야한다는 것을 알았습니다. 두 가지가 저를 결정했습니다 - 큰 밴드의 트럼펫 섹션의 소리와 잼 세션 듣기였습니다. 1940년대 내 트럼펫 영향은 Dizzy Gillespie, Miles Davis, Fats Navarro였지만, Freddie Webster의 연주를 듣고 나는 그의 소리를 좋아했습니다. 나는 그의 소리에 맞춰 작업하기로 결정했습니다. 내 나이의 연주자들이 빠른 속주로 연주하고 있었던 것처럼 말입니다.” 라고 말했다.
나중의 삶과 직업
로스 앤젤레스와 뉴욕의 초기 직업
파머는 조니 오티스 (Johnny Otis)가 이끄는 그룹과 함께 학교를 떠났지만 파머의 입술이 찢어지면서 이 일은 단지 4 개월 동안 지속되었다. 이 일을 위해 일주일 내내 장시간 수행하는 것은 그의 신체적 요구에 대처하기에 충분하지 못한 그의 기술에 큰 압박을 가했다. 그의 입술은 결국 찢어져서 더 이상 연주할 수 없었다. : 그는 뉴욕에서 테크닉 훈련을 받았다. 거기서 잡역부로 일하면서 1947 년과 1948 년에 프리랜서 음악가로 활동했다. Dizzy Gillespie 의 빅 밴드를 위한 오디션은 성공적이지 못했으며 파머는 Jay McShann 의 악대의 일원으로 1948년에 West coast로 돌아갔다. 클럽 음악과 스튜디오 작품은 1940년대 후반부터 1950 년대까지 로스 앤젤레스에서 백인 음악가들의 지배를 받았기 때문에 점점 어려워졌다. 파머는 Benny Carter, Roy Porter 및 Gerald Wilson 과 함께 연주했고 투어 한 다음 1951 ~ 52 년 Wardell Gray와 함께 연주했다. 여행 재즈 음악가의 생활양식의 위험은 또한 존재했다 : Phoenix와 El Paso사이에서 차로 밤새 여행하면서, 다른 Roy Porter가 이끄는 공연을 하기 위해, Farmer의 차가 고속으로 전복했고 그는 뇌진탕을 일으켰고 Roy Porter는 갈비뼈가 부러졌다.
파머의 첫 번째 스튜디오 녹음은 빅 조 터너 (Big Joe Turner) 와 피아니스트 피터 존슨 (Pete Johnson) 의 지도하에 1948년 6월 28일 또는 7월 2일 로스 앤젤레스에서 있었던 것으로 보인다. 그들은 "레이더 블루스 (Radar Blues)"를 녹음했으며, 같은 해 또는 다음 해의 어떤 시점에서 그들은 7면을 추가했다. 8 개의 궤도는 스윙 타임 레코드에 의해 4 개의 싱글로 발표되었다. 파머는 로이 포터 (Roy Porter)와 함께 싱글을 더 녹음했고, 1952년 1월 21일 워델 그레이 (Wardell Gray)의 섹스 테트 (sextet) 멤버로 싱글을 녹음했다. 후자의 세션은 싱글로 발표된 6 트랙으로 제작되었다. 여기에는 파머의 오리지널 "Farmer 's Market"이 포함되어있어 큰 관심을 받았다.
뉴욕으로 두 번째 이주한 후 경력
파머는 1952년 라이오넬 햄프턴 (Lionel Hampton )의 오케스트라에 합류하기 전에 로스 앤젤레스에서 호텔 수위병과 병원 파일 직원으로 일했다. 그는 오케스트라와 함께 유럽을 여행했으며 Clifford Brown, Quincy Jones, Benny Bailey와 함께 트럼펫 연주를 나눠서 했다. 이것은 그의 음악 개발을 상당하게 도왔다. 1953년 테디 찰스의 New Directions 밴드 멤버쉽과 마찬가지로 그는 이 밴드에서 만난 작곡으로 즉흥 연주 중에 더 광범위한 표현을 고려할 수 있었다.
파머는 뉴욕으로 이주하여 1953년 7월 2일에 리더로서의 첫 녹음 세션을 가졌다. 이것은 11개월 후에 녹음된 다른 레코드와 결합되어 8 트랙 Prestige LP, The Art Farmer Septet을 만들었으며 Quincy Jones와 Gigi Gryce의 준비가 있었다. 파머는 "50년대 밥 연주자중 가장 인기 있는 트럼펫 중 하나"가 되었다. : 그는 Gryce (1954–56), Horace Silver (1956–58), Gerry Mulligan (1958–59)과 함께 연주했다.:1955년 6월 10일에 텔레비전에 방송된 Steve Allen Show의 버전에서 파머를 포함한 sextet를 지도한 피아니스트 Thelonious Monk와 함께 연주했다. 다음 달, 파머는 뉴 포트 재즈 페스티발 (Newport Jazz Festival) 에서 찰스 밍 거스 (Charles Mingus) 6 중주에서 연주했다.
Farmer는 Blue Note Records 에서 Horst Silver 그룹과 단 두 번만 녹음했으며 Farmer는 Prestige와 계약을 맺었다. Feuds와 라벨 상사 간의 불화는 광범위한 교차 라벨 공동 작업을 배제했다. 실버의 피아노 중주와 멀리건의 피아노 없는 중주로의 전환은 간단하지 않았다. “갑자기 피아노가 연주되지 않는 세션에서 내가 연주하는 것은 벌거벗은 채 거리를 걷는 것과 같았다.”라고 논평했다. : Mulligan 밴드 멤버인 Farmer는 두 번이나 영화에 출연했다. (1958), The Subterraneans (1960) [27] - 필 하모닉 투어에서 재즈의 일환으로 유럽을 여행하면서 국제적인 평판을 얻도록 도와주었다. 파머는 뉴욕에서 레스터 영 (Lester Young )과 함께 일했다. 레스터 영 (Lester Young )은 그에게 "각 솔로에서 이야기를 하고 좀 더 신중해져라. "고 말했다. : 이 때, 파머는 야간에 그의 마약 의존으로 인해 Miles Davis에게 트럼펫 연주 자리를 빌려주었다.
파머는 1950년대 중반부터 George Russell, Quincy Jones, Oliver Nelson 등 주요 언론사들의 음반을 통해 녹음을 시작했으며, 무엇이든 연주할 수 있다는 평판 때문에 수요가 많았다. Farmer가 1957년 작곡가인 Edgard Varse와 일련의 실험 세션에 참여했을 때 이러한 편곡자들이 대표하는 다양한 스타일이 확장되었다. Varse는 대략적인 표기법을 사용하여 음악가가 구조 내에서 즉흥 연주하기를 원했다. 노련한 재즈 음악가 중 적어도 일부는이 창조 과정을 자발적으로 제작된 구성에 익숙한 창조물과 유사하다고 생각했지만, 그들의 노력은 바르세의 작곡인 Poème électronique에 영향을 주었다. 그 즈음에 연주하던 파머에 대해 평론가 Whitney Balliett에 의해 Hal McKusick 1957 년 앨범 Hal McKusick Quintet 에 그의 성과에 대하여 다음과 같은 논평으로 요약된다. :
"파머는 몇몇 진짜 몇 안 되는 현대의 천재적인 트럼펫 연주자 중의 한명이다. (현대 트럼펫 연주자 중 아홉은 디지 길레스피 (Dizzy Gillespie) 또는 마일스 데이비스 (Miles Davis)를 복사했다. " ) 파머는 1958년 "A Great Day in Harlem"의 57명의 재즈 뮤지션 중의 하나였으며 나타났으며 후에 같은 제목 의 1994 년 다큐멘터리에서 인터뷰를 가졌다. 파머는 1959년 작곡가 겸 테너 색소폰 연주자인 베니 골슨과 함께 각각의 남자가 독립적으로 새로운 섹스 테트의 멤버가 되어야한다는 결론에 도달한 후 재즈 텟을 결성 했다 . Jazztet은 1962년까지 계속되었고 Argo 와 Mercury Records의 여러 앨범을 녹음했으며 피아니스트 McCoy Tyner와 트롬본 연주자인 Grachan Moncur III 의 초기 경력을 도왔다. Farmer는 1960년대 초 기타리스트인 Jim Hall 과 베이시스트 Steve Swallow 와 함께 트리오를 설립했다. 홀과의 관계는 1962년에서 1964년까지 지속되었으며 유럽 2회 투어를 포함했다. 그 중 하나는 나중에 BBC의 재즈 625 프로그램을 위한 콘서트가 있었는데 나중에 DVD로 발매되었다. 홀은 Swallow와 Pete La Roca과 함께 하는 쿼텟과 함께 두 번째 연주 여행을 떠났고 베를린에서 연주했고 피아니스트가 그를 대신했는데 바로 Steve Kuhn이었다.
1964 년에, 이 새로운 사중주는 레이블 애틀랜틱에서 Sing Me Softly of the Blues를 녹음했다. 아방가르드 재즈가 점점 더 흔해지고 있는 시기에 이 밴드들은 느긋하고 멜로디한 음악을 연주했다.
파머는 1965-66 년에 유럽을 여행한 다음 미국으로 돌아와 지미 히스 (Jimmy Heath) 와 소그룹을 이끌었다. 그의 문체 개발은 그의 경력 기간 동안 지속되었는데, 부분적으로 그는 "1960 년대 초반의 'Giant Steps' 의 존 콜트레인 ( John 's Coltrane)의 혁신을 흡수하고 기술적이고 예술적인 선물을 흡수하여 이해했다. : 그러나 1960 년대 중반에 록 음악이 인기를 얻음에 따라 작업 기회가 줄어들면서 Farmer는 Elliot Lawrence의 뛰어난 오케스트라와 합류하여 Broadway 에서 The Apple Tree를 6 개월 동안 제작했다.
유럽으로 영구적으로 옮긴 후 경력
유럽 방문이 계속되었다. 파머는 1968년에 거기 움직이고 궁극적으로 그가 Kenny Clarke / Francy Boland 큰 악대와 연주한 비엔나에 머물렀다. : 그리고 오스트리아 라디오 오케스트라와 결합했다. 후자의 직업은 처음에는 단 한 달에 10 일 밖에 걸리지 않았으므로 Don Byas, Dexter Gordon 및 Ben Webster 와 같은 잘 알려진 해외에 체류하고 있던 연주자들과 연주할 수 있었다. 오케스트라의 음악이 재즈에서 단순한 형태로 점진적으로 바뀌고 파머의 시간을 더 많이 차지하자 그는 음악적 야망의 길에 들어서고 있다는 것을 알게되었고, 3 ~ 4 년 후에 퇴장했다. : 이 야망을 추구하면서 파머는 전 세계적으로 광범위하게 여행했다. 그는 1976년에 "나는 시간의 90 %를 여행하고 있는데, 나는 어디서든 살 수있다. 단지 공항에 도착하는 것"이라고 말했다. 1982년 Jazztet의 부활은 Golson과 함께 지난 10 년 이상 미국에서 더 자주 연주하게 했다. 파머는 1980년대에 국제적으로 투어된 색소폰 연주자인 클리포드 조던 (Clifford Jordan )을 특징으로하는 5 중주를 만들었다. 1980 년대 초, 파머는 또한 그의 생활 방식에 약간의 변화를 가져왔다. 뉴요커 (New Yorker) 의 1985년 기사에서 인터뷰한 그는 2 년 전에 체중이 30 파운드가 줄어들고 담배를 피우고 술 마시는 것을 중단했다. 파머는 "술을 마시지 않고 연주할 수 없다고 생각하곤 했었지만 이제는 연주하지 않고는 마실 수 없다."는 인터뷰어는 파머 습관에 대한 요약은 파머가 동시대 많은 사람들의 마약 관련 문제를 피한 것으로 보인다.
파머는 1990년대 초반 뉴욕에 두 번째 집을 두고 비엔나와 그 사이의 시간을 나누었다. 그는 Sweet Basil Jazz Club 에서 Clifford Jordan과 정규 공연을 가졌으며 뉴욕에서 Ran Blake 와 Jerome Richardson 과 함께 Village Vanguard 에서 공연했다. 파머는 1994년에 오스트리아의 금메달 훈장을 수상했다. 같은 해에 뉴욕의 앨리스 툴리 홀에서 그의 업적을 기념하는 콘서트가 열렸다. 파머는 또한 미국과 유럽 오케스트라와 함께 클래식 음악의 일부를 포함하여 그의 후기 경력을 통해 지도자로서 광범위하게 녹음했다. 그의 경력의 끝까지조차 농부의 수준은 1996년에서 그의 마지막 녹음, Silk Road, from 1996에 대해 Scott Yanow에의 한 검토에서 주목되었다. : "온난하고 격렬한 파머는 일관되게 주인공으로 연주했고, 68 세에 그는 여전히 자신의 전성기에 있음을 증명합니다. " : 1999년 파머 (Farmer)는 예술 재즈 마스터 (Arts Jazz Master)를 위한 국립 기부금 (National Endowment) 으로 선정되었다. 몇 달 후, 10월 일 파머는 71세로 맨해튼에서 심장 마비로 집에서 사망했다 .
개성과 가족생활
파머는 1950년대 중반에 남미 출신의 한 여성과 처음 결혼했다. 부부는 1994년 사망한 아들 아서 주니어 (Arthur Jr)를 낳았으며 약 1 년 후에 이혼했다. : 파머의 두 번째 부인은 먼 사촌이었다. 이것은 또한 이혼으로 끝났다. 그는 Mechtilde Lawgger라는 비엔나 은행가와 다시 결혼했고, 그들의 아들 Georg는 1970년대 초에 태어났다. 그들은 비엔나에서 지은 집에서 함께 살았고, 파머는 그의 생활 방식에 만족한다고 보고했다. 특히 고국과는 달리 유럽에서 인종주의를 경험하지 않았다. 파머는 1985년 자신을 "내향적이고 일종의 은밀한 성향의 사람"으로 묘사했다. 오스트리아 하우스의 방음실에서 그가 원하는 4 ~ 5 시간 동안 홀로 연습 할 수 있었다. : 그의 성격은 다른 사람들에 의해 종종 그의 연주를 반영한 것으로 묘사되었다. Leonard Feather 는 1990년에 Farmer가 “부드럽고 편안하고 부드러운 사람.” 이라고 서술했다.
파머는 1963년 쌍둥이 형제의 갑작스런 죽음의 영향을 받았다. 20 년이 지난 후, 그는 형제자매를 꿈꾸며 "내가 완전히 끝나지 않은 그 사람의 일부가 있는 것 같다"고 인정했다. : 파머의 세 번째 부인은 1992년 암으로 사망했다. 3 년 후 그는 " 그녀가 사망했을 때 20 년 이상 같이 지내 왔기 때문에 결코 나는 그렇게 회복하지 못할 것"이라고 말했다. : 그의 죽음 후에, 그는 그의 동반자 및 매니저, Lynne Mueller 및 아들에 의해 그가 어떻게 살아왔는지 묘사되었다.
스타일 연주
파머의 연주 스타일에 대한 설명은 일반적으로 그의 서정성과 그의 소리의 따뜻함을 강조한다. 로스 앤젤레스 타임즈의 사망 기사 작성자들은 그의 연주는 "감미롭고 서정적인 음색과 프레이즈에 대한 선율적인 접근법을 가지고 있었으나 리드미컬하게 스윙하는 프레이즈를 만들어 낼 수 있는 능력을 최소화하지 못했다"고 지적했다. The Guardian 의 동등한 논평은 "파머는 정통 트럼펫 연주의 밝고 관통하는 소리를 피했으며 Miles Davis와 Kenny Dorham 의 더 명확한 발음에 영향을 받았으며 Davis보다 더 긴장되어 있는 것 같았다. “라고 언급했다. 또는 리 모건 (Le Morgan )은 "파머 (Farmer)는 진실한 오리지널이였습니다. 그의 말씨는 항상 독특했기 때문에, 빌리 홀리데이의 보컬처럼 오히려 그를 앞섰습니다." 라고 언급했다.
파머는 트럼펫에서 1960년대 초 flugelhorn 연주로 옮겼다. 후자의 악기의 더 부드러운 소리와 파머의 능력을 이용해 음소거를 사용하지 않고도 원하는 것을 얻을 수 있었다. : 1989년 그는 악기 제작자 David Monette가 제작한 트럼펫 - 플루겔혼 하이브리드 ( flumpet )를 제작하는데 중요한 역할을 담당했다. 이 악기는 소그룹에서 빅 밴드에 이르기까지 다양한 분야에서 더 많은 표현을 할 수 있었다. 1997년에 Monette는 그에게 개인과 친구들을 상징하는 장식을 가진 개인화된 flumpet을 선물했다.
그의 표현 방식을 계속 탐구하려는 파머의 결심은 평생 지속되었다. 파머 (Farmer)가 67 세였을 때 주어진 콘서트에 대한 한 의견은 "그의 스타일은 계속 진화하고 있었다. "는 것이었다. 그는 "그의 특색 있는 흐르는 선이 갑자기 넓은 멜로디 도약과 분리 리듬 악센트로 중단된 여러 솔로를 전달했다." The Guardian는 “사망하기 몇 개월 전의 파머의 연주는 더 빠른 곡을 연주하는 데에는 도전이었겠지만 Farmer가 더 느린 곡을 연주하는 것의 감정적 표현의 새로운 수준을 달성했다.”고 언급했다.
소행성 10426 Charlierouse 는 공식적으로 1999년에 그것을 발견한 Spacewatch의 미국 천문학자 Joe Montani에 의해 Rouse를 기리기 위해 명명되었다. 1994 년 소행성 11091 Thelonious 도 발견되어 Montani에 의해 명명되었다.
Ernestine Anderson (1928 년 11 월 11 일 ~ 2016 년 3 월 10 일)은 미국 재즈 와 블루스 가수였다. 60 년 이상 경력을 쌓은 그녀는 30 개 이상의 앨범을 녹음했다. 그녀는 그래미 수상을 4 번이나 지명되었다. 그녀는 카네기 홀 , 케네디 센터 , 몬트레이 재즈 페스티벌 (33 년에 걸쳐 6 회)과 전 세계의 재즈 페스티벌에서 노래를 불렀다. 1990 년대 초 가필드 고등학교 졸업생인 퀸시 존스 ( Qatar Records )의 레이블인 퀘스트 레코드 (Qwest Records )에 입사했다.
삶과 직업
Ernestine Anderson (그리고 그녀의 쌍둥이 자매 Josephine)은 텍사스 주 휴스턴에서 태어났다. 1928 년 11 월 11 일 그녀의 어머니 Erma는 주부였고, 그녀의 아버지 인 Joseph은 복음 4 중주에서 베이스를 부른 건설 노동자였다. 3 세의 나이에, 앤더슨은 "The Empress of the Blues(블루스의 황녀)"였던 Bessie Smith (1894 – 1937)의 노래를 즐겼고 그녀의 부모의 오래되는 파랑 78 rpm 녹음과 함께 노래를 위한 재능을 보였으며 곧 지역 교회에서 노래하기 시작하여 복음 성가대에서 솔로를 불렀다.
Anderson은 1998 년 The Jazz Scene 에서 어린 시절을 이렇게 이야기 한다.
"우리 부모님은 항상 블루스 레코드를 연주하곤 했다. John Lee Hooker , Muddy Waters , 모든 블루스 위대한 사람들, 내가 성장한 휴스턴에서 당신은 라디오를 켰고, 당신은 국가와 서양 그리고 복음을 가지고 있었습니다. 음악에 대한 나의 첫 경험이 무엇인지 기억이 안 납니다. 아버지는 복음의 4 중주에서 노래를 불렀고 나는 그를 따라 다니곤 했었고 조부모님은 모두 침례 교회 성가대에서 노래를 불렀고 Jimmie Lunceford, Billy Eckstine, Erskine Hawkins, Count Basie와 같은 큰 밴드의 음악을 즐겼다." Ernestine의 대모는 열두 살 때 현지 재능 대회에 그녀를 추천했다. 나는 오직 두 노래를 부를 수 있었다. "'on the Sunny Side of the Street' 와 'So Long'. 피아노 연주자가 어떤 노래를 부르는지 물었고 어떤 이유로 든 'C'라고 말했어. 그것은 잘못된 열쇠였다. 체면 때문에 나는 멜로디 주위에서 즉흥적으로 노래를 불렀다. 그리고 마침내 음악가 중 한 명이 내가 재즈 가수라고 했다. " 고 언급했다.
그녀의 가족은 1944 년 워싱톤 시애틀 로 이주했다. 그녀는 16 세에 Garfield High School에 다니고 1946년 졸업했다. 10 대 청소년으로 그녀는 밴드리스트인 "Bumps"Blackwell이 그의 주니어 밴드에 그녀를 가수로 고용했다. 앤더슨의 첫 번째 쇼는 East Madison Street의 Washington Social Club에서 열렸다. 그의 밴드 (나중에 퀸시 존스를 트럼펫에 포함시켰고, 젊은 레이 찰스를 키보드에 포함)는 시애틀의 잭슨 스트리트 (Jackson Street)에 있는 재즈 클럽에서 정기적으로 공연했다.
그녀가 18 살이었을 때 앤더슨은 시애틀을 떠나 조니 오티스 밴드와 함께 1 년 동안 투어를 했다. 1952 년에 그녀는 Lionel Hampton 의 오케스트라와 함께 투어를 갔다. 전설적인 밴드와 1 년을 보낸 후, 그녀는 가수로서의 길을 가기로 결심하고 뉴욕에 정착했다. Gigi Gryce 의 1955 년 앨범 인 Nica 's Tempo (Savoy) 에서 그녀의 출연으로 트럼펫 연주자인 Rolf Ericson 과 3 개월간의 스칸디나비아 투어가 있었다. Ernestine의 첫 번째 앨범은 미국 데뷔 앨범 ( 스웨덴에서 녹음 됨)으로 Mercury Records 가 Hot Cargo (1958)라는 제목으로 미국 재즈 비평가인 Ralph J. Gleason의 학장에 의해 발표되었다. 샌프란시스코 크로니클 (San Francisco Chronicle)의 재즈 칼럼은 "그녀는 10 년 만에 최고의 재즈 가수로 잘 어울리며 시간, 훌륭한 어울리는 어법, 훌륭한 목소리, 따뜻함, 모든 것의 꼭대기에, 그녀는 큰 감각을 만든 미친 듯이 휘몰아친다.“고 언급했다. 1959 년 Anderson은the Down Beat 의 "New Star"상을 수상했으며 수성에 대한 찬사를 보냈다. 60년대 중반에 그녀는 미국과 유럽을 연주여행을 했다.
"재즈는 죽은 적이 없다고 생각한다. 60 년대에는 좌절했다. 록큰롤 이 음악으로 바뀌었을 때 재즈가 미국에서 일할 수 없었기 때문에 나는 런던으로 이주해야했다. 나는 오랫동안 지속될 것이라고 생각하지 않았고, 락 앤 롤 (rock 'n'roll) 사람들은 오래 지속될 것이라고 생각하지 않았지만, 퀸시는 그렇게 생각했다. "
1976 년 콩코드 재즈 페스티벌 ( Concord Records)의 앨범 시리즈에 감각적으로 출연 한 결과, 1970 년대 중반 (레이 브라운 (Ray Brown)이 그녀의 매니저였던 시기)에 그녀는 재등장했다. 다음 17 년 동안 앤더슨은 최고의 재즈와 블루스 가수로 명성을 얻었다. 그녀는 헤드라인 쇼를 진행하여 콩코드에 대해 거의 20 개의 앨범을 녹음했으며, 그 중 2 개는 1981 년에 Never Make Your Move Too Soon과 1983의 Big City에서 GRAMMY 베스트 재즈 보컬 공연 후보로 선정되었다. 앤더슨은 1988 년에 4 개의 디스크로 구성된 라이브 세트를 발표하면서 일본에서 성공한 일련의 데이트를 통해 많은 주목을 받았으며, 그 해에 유명한 카네기 홀에서 데뷔했다. 또한 앤더슨은 1999 년 케네디 센터의 여성 인 재즈 이벤트에서 몬트리올 (Monterey) (1959, 1982, 1984, 1987, 1990, 2007)과 할리우드 볼에서 공연했으며 뉴 올리언즈에서부터 기타 여러 재즈 페스티벌 브라질, 베를린, 오스트리아 등 세계 곳곳에서 공연을 했다.
1993 년 Concord Records를 떠난 후 Anderson은 1993 년 Now and Then 과 1996 Blues, Dues & Love News 라는 두 개의 앨범을 발표한 그녀의 옛 시애틀 재즈 장면 친구인 Quincy Jones 와 그의 새로운 레이블 Qwest와 계약을 맺었다. 둘 다 GRAMMY 지명을 받았다. 1990 년대 후반 그녀는 Koch International 레이블에 서명하여 Is not It Romantic 앨범을 발매했으며 2003 년 High Note 레이블 CD, Love Makes the Changes 는 브레이크 아웃 히트 곡이었으며 2004 년 JVC CD, Before Like Hello , 더 많은 영예를 안겨주었다. Anderson은 Addeo Music International (AMI)에 의해 대표되었다.
그녀는 워싱톤에 있는 그녀의 가족에 둘러싸여 평화롭게 87세의 나이로 2016년 3 월 10 일에 사망했다.
명예와 포상
Ernestine Anderson은 1958 년 8 월 4 일 Time 매거진 의 기사에서 특집을 냈다. "음반은 Negro Singer Ernestine Anderson에게 소속되어 있었다. 그녀는 필연적으로 Ella Fitzgerald , Sarah Vaughan , Billie Holiday 와 비교됩니다. Ernestine은 항상 비교를 거부했다. 그녀가 말하기를, "나는 그들이 나를 단지 나를 되게 할 수 있었으면 좋겠다." 앤더슨은 퓰리처상을 수상한 사진작가 브라이언 랭커 (Brian Lanker )가 저술한 " 나는 세상을 꿈꾸는 흑인 여성의 초상화 (1999)"라는 책에 선정 된 75 명의 여성 중 한 명 이었다. 이 책에서 Ernestine Anderson은 Rosa Park , Coretta Scott King , Oprah Winfrey , Lena Horne 및 Sarah Vaughan 과 같은 동료로 분류되었다.
그녀는 2002 년 Bumbershoot 시애틀 예술 축제에서 Golden Umbrella 상을 수상했다. 이 상은 미국 북서부의 예술가들에게 "우리 지역의 문화적 경관에 크게 공헌한 상"을 수상했다.
Anderson은 Recording Academy 의 Pacific Northwest 지부 ( Grammy Awards로 잘 알려진 조직)가 2004 IMPACT Award를 수상하기로 결정했다. IMPACT Award는 창의적인 재능과 업적이 모든 음악적 경계를 넘어 음악계의 자산으로 인정받은 노스 웨스트 음악 전문가에게 수여된다.
2012 년 저소득층 주택 기금 ( Low Income Housing Institute) 은 시애틀 중부 지구 에 위치한 앤더슨의 장기 거주지에 주목하여 "Ernestine Anderson Place"라는 주택 프로젝트를 그녀의 영예로 지명했다.
4.
케니 클라크 Kenneth Spearman Clarke/kenny clarke (1914년 1월 9일 - 1985년 1월 26일)은 " Klook "이란 별명으로 불렸으며 나중에 Liaquat Ali Salaam으로 알려졌던 재즈 드러머와 밴드 리더였습니다. 그는 드럼 연주의 비밥 스타일의 주요 혁신가였습니다. 1940년대 초 Minton의 Playhouse의 하우스 드러머로 활약했으며 이러한 활동은 Be-Bop의 탄생으로 이어졌고 시간외 모임에 참여하여 현대 재즈를 주도하게 되었습니다. 뉴욕시에서 그는 신흥 밥 스타일의 주요 혁신가인 Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Curly Russell 및 이전 세대의 음악가인 Sidney Bechet 과 함께 연주했습니다. 그는 파리에서 후기를 보냈다.
초기 경력
클라크 (Clarke)는 1914년 펜실베니아 주 피츠버그에서 태어났습니다. 음악가 출신으로 고교 시절 동안 음악 이론 과 작곡뿐만 아니라 비브라폰과 트롬본을 포함한 여러 악기를 공부했습니다. 십대 때, 클라크는 Leroy Bradley 와 Roy Eldridge 밴드에서 연주했습니다. 그는 Jeter-Pillars 밴드와 함께 중서부 지역을 몇 년동안 돌아다니며 지저스 필라스 (Jeter-Pillars) 밴드에서 연주했으며, 베이스에 Jimmy Blanton 과 기타리스트 Charlie Christian과 함께 연주했습니다. 다 . 1935 년 Clarke는 뉴욕에서 자주 출연하여 결국 이사했습니다. 그는 Edgar Hayes 와 Lonnie Smith 가 이끄는 그룹에서 일하면서 나중에 음악에 대한 기여도를 정의할 리듬 개념을 개발하기 시작했습니다.
미 육군에서 퇴역 한 클라크는 이슬람교로 개종 했으며 Liaquat Ali Salaam이라는 이름을 사용했습니다.
비밥과 라이드 심벌즈
Edgar Hayes와 Roy Eldridge의 밴드에서 일하면서 Clarke는 스네어 드럼이나 하이햇과 베이스 드럼의 조합에서 시간 관리 역할을 이동 라이벌 심벌에 익숙한 4 분 음표로 옮기고 익숙한 "땡땡 울기, 땡땡이치는 "패턴으로, 클라크는 종종 이런 연주법을 발명품으로 인정 받았습니다. 이 새로운 접근법은 조 존스 (Jo Jones)가 개발 한 베이스 드럼에 폭탄 (syncopated accents)을 통합했으며, 왼손을 더 멀리 내뿜어 더 많은 인조 인간형 인물을 연주했습니다. Clarke는 이 새로운 시간 관리 방법을 장려한 Roy Eldridge에 따라 베이스 심벌즈와 스네어 드럼의 독립성을 개발하는 일련의 연습을 했습니다. 이 구절들 중 하나 인 스네어에 발사 된 림의 조합에 베이스 드럼 악센트가 직접 이어지면서 이 조합이 만들어내는 소리를 모방하여 "Klook-mop"의 줄임말 인 "Klook"라는 별명을 받았습니다. 이 애칭은 1946년 Dizzy Gillespie가 드럼에서 Clarke와 함께 녹음한 "Oop Bop Sh'Bam"에 안치되었으며, 비밥 곡의 가사가 "oop bop sh'bam a klook a mop"으로 바뀌었습니다.
Clarke는 자신이 연주하고있는 Minton 's Playhouse 에서 Monk, Parker, Gillespie, Russell, Saxophonist, Don Byas 등을 호스트로 유명한 하우스 밴드를 구성 할 때 이미 이러한 스타일의 요소가 갖추어져 있다고 주장했습니다. 그룹 소리. 스네어와 베이스 드럼의 즉흥 악센트와 시간을 지닌 울리는 심벌즈의 조화가 재즈 콤보의 사운드와 다이나믹에 혁명을 불러 일으켰습니다. 프로듀서 Ross Russell이 라이드 심벌즈의 역할을 이렇게 요약했습니다. :
“일단 움직이는 심벌즈의 진동은 번호 전체에 걸쳐 유지되어 라인 맨을 지원하고 자극하며 고무시키는 반짝이는 소리의 질감을 만들어냅니다. 이것은 비밥 재즈의 색조입니다."
클라크의 혁신은 드러머와 솔리스트가 즉석에서의 교류에 크게 의존한 비밥 콤보의 발전을위한 무대가 되었습니다. 이를 위해 "모든 드러머들" Ed Thigpen은 "그에게 감사의 빚을지고 있다"고 말했습니다.
Modern Jazz Quartet과 파리로 이주
Minton 에서 연주하는 동안 Clarke는 사보이 레코드의 하우스 드러머로서 많은 음반을 녹음했습니다. 민튼 밴드의 음악가가 다른 프로젝트로 옮겨 가면서 클라크는 젊은 피아니스트이자 작곡가인 존 루이스 (John Lewis)와 비주얼 그래피스트 밀트 잭슨 (Milt Jackson) 과 함께 작업하기 시작했습니다. 베이시스트 레이 브라운 ( Ray Brown )을 추가하여 Modern Jazz Quartet 또는 MJQ를 창단했습니다. 이 그룹은 1950년대 중반에 등장한 비밥 콤보 사운드의 블루스 후계자인 하드 밥 (hard bop)의 대안으로 고전적이고 바로크적인 미학을 도입 한 것을 나중에 챔버 재즈 또는 제 3 스트림 이라고 부르는 것을 개척했습니다. Clarke는 1955년까지 MJQ에 머무르다가 1956년에 결국 파리로 이주했습니다. Clarke는 1940년대 중반 유럽 전역을 여러 번 방문하여 육군에서 일할 수 있었습니다.
그는 의심 할 여지없이 그가 프랑스에서 얻을 수 있는 더 나은 임금에 끌렸습니다 : "왜 여기 머물러 있지 않니?" 아이라 지 틀러는 그에게 물었을 때 "나는 좋은 삶을 얻고 아주 좋은 삶을 얻는다 "고 말했습니다. 아프리카 계 미국인 출신의 많은 음악가와 작가들처럼 그는 자신이 받은 더 나은 사회에 매력을 느꼈을 수도 있습니다. 그가 파리로 이주하자마자 Louis Malle이 감독한 고전적인 필름 누아르인 Ascenseur pour l' échafaud 의 사운드 트랙 에서 Miles Davis를 포함한 미국인 뮤지션을 방문했습니다. Clarke는 피아니스트인 Bud Powell 과 다른 파리 거주자, 그리고 Davis 사운드 트랙에서도 연주했던 베이스 피스트 Pierre Michelot 과 함께 "The Three Bosses"로 알려진 작업 트리오를 구성했습니다. 1963년 The Three Bosses는 테너 색소폰 위대한 덱스터 고든 (Dexter Gordon) 과 함께 클래식 앨범 Our Man in Paris를 녹음했습니다. 1961년 벨기에 피아니스트 Francy Boland와 함께 Clarke는 규칙적인 빅 밴드인 Kenny Clarke-Francy Boland Big Band를 결성하여 유럽 및 미국계 음악가들을 초청했습니다. 그 중에는 테너 부문에서 조니 그리핀 (Jonny Griffin) 과 로니 스콧 (Ronnie Scott)이 있습니다. 이탈리아 프로듀서인 Gigi Campi 의 아이디어였던 빅 밴드는 11 년 동안 지속되었습니다.
1968년 이후 Kenny Clarke는 프랑스 작곡가이자 클라리넷 음악가 Jean-Christian Michel 과 함께 11 년 동안 연주하고 녹음했습니다.
나중의 삶
Clarke는 죽을 때까지 방문한 미국 뮤지션과 정규 프랑스 밴드 메이트와 함께 녹음 및 연주를 계속했습니다. 1988 년에 그는 다운비트 명예의 전당 Down Beat Jazz Hall of Fame에 입회했습니다. Clarke는 1985년 프랑스 , Montreuil에서 사망했습니다.
개인 생활
1949년 Clarke는 재즈 가수 Annie Ross와 짧은 만남을 가졌습니다. 이 사건으로 클라크의 가족이 키운 아들 케니 클라크 주니어가 생겼습니다.
5.
Horace Silver /Horace Ward Martin Tavares Silver 1928년 9월 2일부터 2014년 6월 18일까지 미국의 재즈 피아니스트, 작곡가 및 편곡가로서, 특히 하드 밥 스타일에서 1950 년대의 개척을 도왔다.
코네티컷에 있는 학교에서 테너 색소폰과 피아노를 연주한 실버는 1950년 스탠 겟츠 (Stan Getz)가 트리오를 모집할 때 피아노를 연주하지 않고 있었다. 실버는 곧 뉴욕시로 이사했으며 작곡가로서의 명성을 얻었다. 1950년대 중반의 잦은 사이드맨 녹음은 한층 더 도움이 되었지만 Art Blakey 가 공동 주최한 재즈 메신저 (Jazz Messengers) 와의 그의 작업으로 그의 작곡은 많은 주목을 받았다. Horace Silver와 Jazz Messengers 앨범에는 Silver의 첫 번째 히트곡인 " The Preacher "가 수록되어 있다. 1956년 Blakey를 떠난 실버는 테너 색소폰, 트럼펫, 피아노, 베이스 및 드럼의 표준 소규모 그룹으로 구성된 자신의 5 중주를 구성했다. Blue Note Records의 대중 공연 및 빈번한 녹음으로 인원이 변경 되어도 Silver의 인기가 높아졌다. 그의 가장 성공적인 앨범은 1963년과 1964년에 5 중주곡을 두 번 반복하여 만든 My Father for Song 이었다.
그는 밴드 리더이며 1950~60년대 '하드밥' 양식의 전형적인 연주자였다. 비밥을 확대시킨 그의 하드밥 양식은 리듬 앤드 블루스, 가스펠, 라틴 음악 요소들이 첨가된 것이다.
비밥이 〈I Got Rhythm〉·〈인디아나 Indiana〉·〈사랑이라는 건 무엇일까? What is This Thing Called Love?〉와 같은 몇몇 유명한 노래의 화음 진행에 맞춰 느슨한 즉흥 연주로 음악을 진행시키는데 비해, 하드밥은 곡마다 고유한 화음진행을 새롭게 만들었다는 점이 가장 큰 특징이었다.
실버는 1950년 중반 스탠 게츠, 마일스 데이비스, 아트 블래키 등의 연주자들과 함께 연주·녹음했으며 그들과 함께 1950년대의 가장 전형적인 하드밥 그룹인 '재즈 메신저'를 결성했다. 이어 자신이 리더가 되어 일련의 뛰어난 5중주를 결성했다. 곡의 시작과 끝에만 앙상블을 출현시키고 중간에는 즉흥 연주에 의한 솔로를 두는 양식 대신, 실버는 솔로의 중간이나 솔로와 솔로 사이에도 앙상블을 출현시키는 양식을 구사했다. 더 나아가 기존의 '캄핑'(즉흥 연주하는 솔로 연주자의 지시에 유연하게 반응하여 화음을 산발적으로 반주하는 방식으로, 흔히 당김음으로 처리함) 대신 반복되는 반주형을 사용하여 자신의 음악을 편곡했으며 아울러 베이스 선율도 자신의 왼손 피아노 음형에 맞춰 썼다.
5중주에서 색소폰과 트럼펫의 화성에 4도와 5도를 많이 사용하여, 대다수 비밥 5중주보다 훨씬 풍부한 음향을 만들 수 있었다. 그의 피아노 솔로는 예외적이라고 할 만큼 명료하고 선율적이다. 그는 표준적인 관습을 따르지 않았는데 버드 파월에게 일차적인 영향을 미쳤던, 8분음표에 의한 길고 복잡한 즉흥 방식의 선율선이 그의 전형적인 면모이다.
실버가 결성한 5중주 가운데 가장 유명하며 오래 지속된 것은 1958~64년에 활동한 5중주로 트럼펫에 블루 미첼, 테너 색소폰에 쥬니어 쿡이 참여했다. 그러나 세월이 흐르면서 색소폰 연주자 조 a핸더슨, 마이클 브레커, 트럼펫 연주자 아트 파머·랜디 브레커, 드럼 로이 브룩스, 알 포스터를 비롯한 뛰어난 음악가들을 참가시켰다.
가장 유명한 곡으로는 〈목사 The Preacher〉·〈세뇨르 블루스 Señor Blues〉·〈아버지를 위한 노래 Song for My Father〉·〈누이 새디 Sister Sadie〉·〈나이카의 꿈 Nica's Dream〉·〈더러운 맥내스티 Filthy McNasty〉를 들 수 있다. 그의 블루스 계열의 연주는 많은 피아니스트와 재즈 오르간 연주자들에게 영향을 주었다.
6.
셀로니우스 몽크(Thelonious Monk/1917-1982년생)는 미국 재즈 뮤지션이다.
재즈 피아노의 기인(奇人) 셀로니어스 몽크는 재즈사에 있어서 독보적인 위치의 피아니스트이다. 무대 위에서 신비로운 광기를 발산하는 그는 1917년 10월 10일 북캐롤라이나주에서 태어나 뉴욕에서 자라면서 피아노를 시작하였다. 6세 때 처음으로 피아노를 만지기 시작한 몽크는 정규 교육을 받지 못하여 독학으로 피아노를 배우며 자신만의 스타일을 확립했다. 어느 정도 연주가 무르익을 무렵인 10대 시절에는 복음을 전도하기 위해 전도사들과 연주 여행을 다니며 각지의 피아노 연주 스타일을 어린 나이에 익혔다. 유년 시절 집안의 형평이 좋지 못하자 돈을 벌어야 했고 하는 수 없이 17세의 나이에 클럽을 전전하며 일거리를 찾아 나서는 신세가 되었다. 그러나 이러한 결과가 몽크에게는 많은 연주 스타일을 배우는 일종의 전화위복이 되었다. 이렇게 클럽을 전전하며 일을 하던 몽크는 23세가 되어서야 클럽가에서 이름을 떨치게 되었고 유명 연주인들의 사이드맨으로 활약하게 된다. 몽크가 연주하던 클럽은 당시 이름을 떨치던 민턴즈 레이하우스(Minton's Playhouse)라는 곳으로 이곳에서 하우스 밴드(House Band)라 불리우는 고정 밴드에서 피아니스트 테디 윌슨(Teddy Wilson) 밴드에서 리듬 파트를 담당하며 연주 생활을 하게 된다.
럭키 밀린더(Lucky Millinder)와 그리고 쿠티 윌리암스 오케스트라(Cootie Williams Orchestra)에서도 잠시연주를 하던 그는 24세가 되던 1941년, 제리 뉴먼(Jerry Newman)밴드에서 일하는 영광을 얻게된다. 이를 통해 그의 주가는 급상승세를 타고 서서히 인기 있는 연주인으로 등극했지만 일부 비평가들은 그의 연주는 수준 이하의 연주라는 끔찍한 발언을 일삼았다. 그러나 몽크는 이에 개의치 않고 자신만의 스타일을 계속 고집하였다. 이런 상황 속에서도 몽크는 1943년에 최고의 색소포니스트인 콜맨 홉킨스(Coleman hawkins) 식스텟에 가입, 콜맨 홉킨스로부터 재즈의 기초를 다시 배운 뒤 최초의 녹음을 하게 된다. 이 녹음은 콜맨 홉킨스가 주선하게 되었고, 몽크에게 많은 영향을 주고 가르침을 준 콜맨 홉킨스에게 앨범을 헌정하여 앨범의 타이틀 역시 [Flying Hawk]라 명명하게 된다.
1947년에 접어들어 몽크는 본격적인 앨범 녹음과 활동에 들어가게 되는데 이 시기 몽크의 연주는 자신의 오래전 다듬어지지 않은 연주 스타일에서 벗어나려 많은 노력을 한 흔적이 보인다. 특히 그가 블루노트(Blue Note)에 몸담아 처음으로 녹음한 음반인 [More Genius]에는 조지 거쉰의 곡으로 유명한 ‘Nice Work If You Can Get It’과 ‘Ruby, My Dear’ ‘April in Paris’ 같은 곡들이 담겨 있으며, 트럼펫의 케니 도햄(Kenny Dorham), 드럼의 마왕 맥스 로치(Max Roach), 드럼의 신 아트 블레이키(Art Blakey), 알토 색소폰에 루 도널드슨(Lou Donaldson), 베이스의 귀재 넬슨 보이드(Nelson Boyd), 테너 색소폰의 럭키 탐슨(Lucky Thompson) 등이 대거 참여하여 당대 최고의 앨범을 창조하여 앨범의 가치를 높여 주고 있다. 이 앨범은 훗날 [Genius of Modern Music, Vol. 1 ~ 3]이라는 앨범으로 다시 태어나게 되며 몽크의 초창기 명반으로 자리 잡는다. 이후 몽크는 밀트 잭슨과 손잡고 밀트 잭슨의 진두지휘 아래 'Criss-Cross'와 'All the Things You Are'가 담겨 있는 또 다른 명반인 [Thelonious Monk/Milt Jackson]를 1948년도에 발표하기에 이른다. 비밥이라는 장르를 개척한 드러머인 케니 클락(Kenny Clarke), 베이스의 신동으로 불리우는 퍼시 해스(Percy Heath), 알토 색소포니스트 루 도널드슨(Lou Donaldson) 등이 참여했으며, 이 시기에 몽크는 밀트 잭슨의 비브라폰 연주로부터 색다른 연주 법을 배우게 되며 그것을 피아노에 적용시키기에 이른다.
50년대로 넘어와 몽크는 더욱 유명해 졌고, 피아니스트이자 보컬리스트로활동했던 조 터너(Joe Turner)의 프랑스 연주 여행에 동참 그 유명한 파리 라이브 [Thelonious Monk and Joe Turner in Paris]를 프랑스의 중소 재즈 레이블인 보그(Vogue)에서 발매한다. 몽크는 조 터너와의 파리 라이브를 끝내자마자 귀국하여 다시 앨범 작업에 들어가 맥스 로치와 퍼시 해스, 아트 블레이키 등과 작업한 [Monk's Moods]를 프레스티지사에서 남기게 되며, 계속해서 1952년도에 [Blue Monk, Vol. 2]와 엔지니어 루디 반 겔더의 소리의 향연이 담겨 있는 앨범 [Thelonious Monk Trio]를 발표하였다. 본 앨범은 당시 평론가들에게 52년도 최고의 앨범으로 평가 받기도 한 수작으로서 연주뿐만 아니라 앨범 재킷에서도 색다른 맛을 찾을 수 있다. 본 작품은 길 멜리(Gil Melle)라는 일러스트레이터가 디자인한 추상적인 앨범 재킷의 디자인으로 인하여 당시 재즈계에서는 새롭게 앨범 재킷을 사진이 아닌 그림으로 표현하는 유행이 번지기도 했다. 53년도에는 천재 테너맨 소니 롤린스(Sonny Rollins)를 기용 [Work] 앨범을 발표한다.
본 작품은 서양인들이 금기시 여기는 ‘13일의 금요일’에 녹음을 하였고, 몽크는 이러한 사실을 주지시키기 위해 ‘Friday the 13th’라는 곡을 만들어 연주하였다. 몽크의 창조 정신은 끝이 없었고 53년 한 해 동안 무려 8장의 음반([We See], [The Golden Monk], [The Genius of Thelonious Monk], [Thelonious Monk Quintets], [Thelonious Monk Quintets], [Monk] 등)을 녹음하는 괴력을 보여주었지만, 그의 이러한 작업은 모두 당시에는 음반으로 발매되지 않았고 훗날 그의 연주를 기리며 발매되었다. 1955년에는 [Riverside Trios]라는 미니 싱글을 발매하였고, 역시 55년 싱글로 [Pure Monk]를 Milestone에서 발매하였다.
몽크는 재즈 사상 가장 방대한 곡을 만든 천재 피아니스트 겸 작곡자인 듀크 엘링턴(Duke Ellington)에게 경의를 표하며 그의 곡을 자신만의 독특한 어법으로 연주한 앨범 [Plays Duke Ellington]를 55년에 발표한다. 본작에는 비밥의 선구적 역할을 한 베이시스트인 오스카 페티포드(Oscar Pettiford)와 드러머 케니 클락(Kenny Clarke)이 함께한 트리오 연주로 50년대 중기 최고의 걸작으로 손꼽히는 작품이다. 56년으로 넘어와 위 멤버들과 그리고 아트 블레이키를 가세시켜 몽크의 스탠다드 세계를 보여주었고, 1956년 마일스톤으로 이적하여 국내에서 가장 인기 있는 작품인 [Brilliant Corners]를 발매하게 된다. 본 작품은 몽크의 실험정신이 충만한 작품으로서 그가 50년대 이룩한 다양한 몽크적 선법을 토대로 연주한 스타일이 그대로 적용이 된 앨범이다.
50년대 후반에 들어와 몽크는 좀 더 실험적인 연주를 선보였는데 그 중 하나가 1956년도에 잠시 리버사이드사에게 양해를 구한 뒤 컬럼비아사에서 명연주가 담긴 [Straight, No Chaser]를 발매, 큰 호평을 받는다. 이후 몽크는 마일스 데이비스(Miles Davis) 사단에서 마약 문제로 물러난 존 콜트레인(John Coltrane)을 기용하여 ‘April in Paris’, ‘Round Midnight’, ‘Monk's Mood’, ‘I'm Getting Sentimental over You’ 등이 수록된 [Thelonious Himself]를 1957년 발표한다. 이 음반은 그해의 앨범으로 선정되었다. 특히 1957년에는 존 콜트레인과 많은 작업을 하면서 존 콜트레인에게 음악적 깊이를 한층 심어주기 위해 노력하였는데 앨범 [Monk's Music], [Thelonious With John Coltrane]를 리버사이드에서, 그리고 블루노트에서는 [At The Five Spot]을 발표한다.
[At The Five Spot]은 당시 마약에 빠져 있던 몽크에게 출입 금지령을 내린 대부분의 클럽과 이에 격분한 몽크의 ‘다시는 뉴욕의 클럽에서 연주를 하지 않겠다’는 선언의 와중에서 비롯된 것이다. 몽크가 마약에서 멀어지자 자연히 다시 클럽에 등장하게 되었고, 재빨리 블루노트사가 계약을 하여 'Five Spot'이라는 실험실 같은 클럽에서 연주 한 것을 발표한 것이 바로 [At The Five Spot]이다. 'Five Spot'은 당시 50년대 후반 시카고와 뉴욕 악파를 중심으로 연주되던 실험 정신이 강한 연주인들이 주로 모여 연주하던 아방가르드 색체가 가장 충만한 클럽이었으며, 이 연주 앨범에서는 존 콜트레인과 몽크가 주고 받는 인터플레이는 최고의 명연으로 기록된다. 58년에서 59년까지 몽크는 [Alone In San Francisco](피아노 솔로), [The Thelonious Monk Orchestra At Town Hall], [At The Blackhawk] 등의 앨범을 꾸준히 발표한 뒤에, 1961년 이태리 라이브를 [Thelonious Monk In Italy]라는 타이틀로 발매하게 된다.
그러나 뭐니 뭐니 해도 몽크의 60년대 초반의 진수는 바로 61년 발표한 프랑스 파리 실황일 것이다. [Monk In France]는 몽크의 초절기교(超絶技巧)가 모두 담겨 있는 작품으로서 텅 비어 있는 듯한 사운드, 그러나 그 속에 가득 담겨 있는 절제의 미학이 찬란히 빛난다. 이 모든 것은 몽크가 아니면 절대 이룩할 수 없는 것들이었다.
몽크는 61년도에 리버사이드와 계약이 끝나자 자신의 독창적인 스타일을 가장 환영하던 컬럼비아사와 계약을 하고 곧바로 앨범 작업에 들어가 1962년 [Monk's Dream]을 발표한다. 본 작품은 몽크의 스타일 그대로 반영된 전형적인 몽크 스타일 앨범으로서 반음계 진행의 임프로비제이션 스타일이 뚜렷하게 드러나는 앨범이다. 이후 몽크는 컬럼비아사의 적극적인 후원 아래 실험정신이 강하게 배여 있는 앨범들을 계속 발표하게 된다.[Criss-Cross], [Big Band And Quartet In Concert], [Solo Monk] 등을 발표한다. 위 앨범들 중 [Solo Monk]는 몽크의 콤핑 중 특히 왼손에 의한 싱커페이션이 강하게 드러나는 작품으로 피아노 솔로 작품집이다. 1967년에는 대중들에게 가장 사랑 받은 작품인 [Underground]를 발표하여 흐르는 강물처럼 평온하며 의미 없이 처대는 솔로 프레이즈가 배제된 절제의 미학을 들려주는 평범한 앨범을 발표, 화제를 모았다.
70년대에는 독일계 da Music의 계열인 Black Lion사에서 Alan Bates의 지휘 아래 [London Collection Vol. 1]을 녹음 발표한 후 건강의 악화로 인하여 더 이상 활동을 하지 못하게 된다. 그러나 동료 연주인들의 권유로 1974년 뉴 포트 재즈 축제에 잠시 모습을 보여 연주를 한 뒤 계속되는 건강의 악화로 요양을 하며 작곡에만 전념 방대한 곡을 남기며 간간히 녹음을 하였으나 음반으로 발매된 것은 매우 드물다.
비밥이라는 재즈가 탄생한 이래 가장 독창적인 스타일을 보여준 피아니스트로서의 몽크는 연주와 작곡 양쪽에 있어서 탁월한 재능을 보인 연주인으로 초창기에의 어려운 코드 체인지와 전혀 재즈답지 않은 불규칙한 싱커페이션을 선보여 실험정신이 뛰어난 아티스트로 불리운다.
몽크는 매우 극을 치닫는 연주를 보였으며, 연주시 상당히 절제된 연주를 하면서 그 속에 강한 악센트를 주면서 충격적인 음을 즐기는 스타일리스트로서 트럼펫의 마일스 데이비스와 자주 비교되기도 한다. 심미적이며 추상적인 상상을 즐기는 몽크의 연주에서는 침묵을 주테마로 사용되는 즉흥연주를 발견할 수 있다.
7.
Arthur "Art"Blakey (1919 년 10 월 11 일 -1990 년 10 월 16 일)는 미국 재즈 드러머이자 밴드 리더였다. 그는 회교도가 된 후 Abdullah Ibn Buhaina 로 알려졌다.
Blakey는 Fletcher Henderson 과 Billy Eckstine 의 빅 밴드에서 1940 년대 자신의 이름을 지었다. 그는 비밥 뮤지션인 Thelonious Monk , Charlie Parker , Dizzy Gillespie 와 함께 작업했다. 1950 년대 중반 Horace Silver 와 Blakey는 드러머가 향후 35 년 동안 연관시킨 재즈 메신저 (Jazz Messengers)를 결성했다. 이 그룹은 동시대의 집단으로 구성되었지만 수년 동안 Freddie Hubbard , Wayne Shorter , Lee Morgan , Benny Golson 및 Wynton Marsalis를 비롯한 젊은 인재를 위한 인큐베이터로 알려졌다. 재즈의 전기 백과사전은 재즈 메신저에게 "50 대 후반의 전형적인 하드 그룹"이라고 부른다.
그는 Down Beat Jazz Hall of Fame (1981 년), [3] Grammy Hall of Fame (1998 년과 2001 년)에 입성하여 2005년 그래미 평생 공로상을 수상 했다. 그는 1991년에 현대 드러머 명예의 전당에 입성했다.
어린 시절과 초기 경력
블레이키 (Blakey)는 1919 년 10 월 11 일 펜실베이니아 주 피츠버그에서 태어났다. 출생 직후 곧 어머니가 사망했다. 블레이키 자신의 1937년 결혼 증명서가 그녀의 처녀 이름을 보여 주지만 그녀의 이름은 종종 Marie Roddicker (또는 Roddericker)로 인용된다. 그의 생물학적 아버지는 원래 Bertram Thomas Blakey로 원래는 알라바마 주 오 자크 (Ozark) 였고, 1900 년에서 1910 년 사이에 가족이 피츠버그로 북쪽으로 이주했다. Blakey의 삼촌 루비는 피츠버그 대학의 보컬리스트이자 밴드 리더였다.
Blakey는 "대리모가 된 가족 친구가 형제자매와 함께 키웠다"고 설명했다. 그는 "학교에서 피아노 레슨을 받았다."며 독학하는데 더 많은 시간을 할애 할 수 있었다. Leslie Gourse의 전기에 따르면, 대리모 인물은 Annie Peron이었다. 가족과 친구들, 블레이키 자신이 이야기 한 이야기는 그가 페론 가족과 얼마나 오랫동안 보냈는지에 대해 모순적이지만, 자라면서 그들과 시간을 보낸 것이 분명하다.
Blakey의 초기 음악 경력에 대한 이야기도 모순으로 흐려져 있다. 블레키는 7 학년 때까지 풀타임으로 음악을 틀었고 성인의 책임을 지고 피아노를 치며 돈을 벌고 밴드 리더가되는 법을 배웠다고 여러 출처에서 합의했다.
그는 1930 년대 초 불확실한시기에 피아노에서 드럼으로 전환했다. 블레키는 클럽 주인이 피아노에서 드럼으로 옮겨 에롤 가너 (Erroll Garner) 가 피아노를 맡을 수 있게 했다. Blakey 자신이이 외에도 다른 계정을 제공하기 때문에 이 이야기의 진실성은 Gourse 전기에서 의문의 여지가 있다. Blakey는 " Chick Webb , Sid Catlett , Ray Bauduc 의 공격적인 스윙 스타일"이라고 가정한다.
1939 ~ 44 년 블레이크 (Blakey)는 동료 피츠버그 출신 인 메리 루 윌리엄스 (Mary Lou Williams) 와 함께 연주하고 플레처 헨더슨 오케스트라 ( Fletcher Henderson Orchestra)와 함께 여행했다. 소식통의시기가 다르긴 하지만 대부분은 1942 년 윌리엄스와 함께 뉴욕으로 여행한지 1 년 후 헨더슨에 합류한다는 사실에 동의한다. 헨더슨의 밴드에서 연주하면서 블레이키는 조지아 경찰과 싸웠다. 그리고 WWII에있는 서비스를 위해 부적당하다는 것을 선언해 상해를 입었다. 그는 짧은 시간 동안 Boston의 Tic Toc Club에서 자신의 밴드를 이끌었다.
Blakey는 1944-47 년부터 Billy Eckstine 의 빅 밴드와 함께 일했다. 이 밴드를 통해 Blakey는 동료 밴드 멤버인 Miles Davis , Dexter Gordon , Fats Navarro , Dizzy Gillespie , Charlie Parker 및 Sarah Vaughan 과 함께 비밥 운동과 관련이 되었다.
벡 스톤 밴드가 헤어 졌을 때, 블레키는 한동안 아프리카 여행을 갔다고 말한다. "1947 년 에크 스틴 밴드가 헤어지고 나자 우리는 아프리카 여행을 갔습니다. 나는 거기에 3 개월 머물러 있어야했고 2 년을 머물렀습니다. 왜냐하면 저는 사람들 사이에서 살면서 그들이 어떻게 살았는지, 특히 드럼에 대해서 알고 싶었기 때문입니다. " Blakey는 1947-49 년부터 녹음한 것으로 알려져 있다.
그는 이 기간 동안 이슬람교를 공부하고 1925 년에 실천 무슬림이 되지 않고 [ Art Blakey]라는 이름으로 계속해서 경력을 쌓아 Abdullah Ibn Buhaina라는 이름을 사용했다.
1950 년대가 시작되자 Blakey는 Davis, Parker, Gillespie, Bud Powell 및 Thelonious Monk 와 같은 음악가를 후원했다. 그는 종종 Monk의 가장 감동적인 드러머로 여겨지지진다. 그는 Monk의 첫 녹음 세션 (1947 년 Blue Note Records의 경우 )과 그의 마지막 녹음 세션 (1971 년 런던의 경우)에서 연주했으며, 그 사이에 많은 사람들이 있다. Blakey는 Buddy DeFranco 와 함께 1951 년부터 1953 년까지 Kenny Drew가 참여한 밴드에서 함께 여행했다.
Blakey는 1973 년 독일 함부르크 에서 "Giants of Jazz"의 일환으로 청구되었다.
1947 년 12 월 17 일, Blakey는 Blue Note Records의 첫 녹음 세션에서 "Art Blakey 's Messengers"라는 그룹을 리더로 이끌었다. 녹음은 당시 78 rpm 레코드로 발표되었고 두 곡은 Kenny Dorham , Sahib Shihab , Musa Kaleem 및 Walter Bishop이 포함 된 "New Sounds"10 "LP 편집 (BLP 5010) Jr이었다.
같은 시기 (1947), 또는 1949 년 그는 Seventeen Messengers라고 불리는 큰 밴드를 이끌었다. 악대는 재정적으로 불안정한 것을 입증하고 곧 해산되었다. Messengers tag의 사용은 블레이키 (Blakey)와 피아니스트인 호레이스 실버 (Horace Silver) 가 공동 녹음 한 그룹과 마침내 붙어 있었지만, 초기 녹음에는 이 이름이 사용되지 않았다.
"Jazz Messengers"라는 이름은 Blakey, Mobley, Dorham 및 Doug Watkins 와 함께 Silver가 명목상으로 녹음한 1954 년에 처음으로 이 그룹에 사용되었다. 같은 5 중주는 Cafe Bohemia 의 The Jazz Messengers를 다음 해에 녹음했다. 집단으로서 기능했다. 도널드 버드 (Donald Byrd) 는 도햄 (Dorham)을 대신했으며, 그룹은 1956 년 콜롬비아 레코드 (Columbia Records) 의 재즈 메신저 ( Just The Jazz Messengers) 라고 불리는 앨범을 녹음했다. [24] 실버가 밴드의 첫해 이후에 떠났을 때 블레이 키는 그룹 이름을 인수했다. 새로운 5 중주를 구성해 밴드 이름은 Blakey의 이름을 포함하도록 진화하여 결국 Art Blakey와 재즈 메신저에 정착했다. Blakey는 남은 생애 동안 그룹을 이끌었다.
1950 년대의 전형적 하드 밥 그룹이었는데, 뚜렷한 블루스 뿌리로 운전과 공격적인 확장을했다. 1950 년대 말에, 색소폰 연주자 Johnny Griffin 과 Benny Golson 이 그룹의 멤버로 바뀌었다. Golson은 음악 감독으로 " I Remember Clifford ", " Blues March "와 같은 밴드 책자의 일부로 시작된 몇 가지 재즈 표준을 썼으며, 그룹의 후기판에서 자주 부활했다.
"Along Came Betty" 와 "Are You Real" 는 블레이키를 위한 골슨의 작곡이다.
1959-61 년에 이 그룹은 Wayne Shorter의 테너 색소폰, Lee Morgan의 트럼펫, Bobby Timmons의 피아니스트, Jymie Merritt의 베이스를 맡았다 . 1961 년부터 64 년까지 트럼본 연주자인 Curtis Fuller 를 추가하고 Morgan과 Timmons를 Freddie Hubbard 및 Cedar Walton 으로 각각 교체한 육중주 밴드이다. 이 그룹은 젊은 재즈 재능을 증명할 수있는 장으로 발전했다. 제대를 한 뮤지션들이 가끔 그룹에 다시 등장했지만 Messenger의 각 반복에는 새로운 젊은 선수들의 라인업이 포함되었다. 사자 세계에 재림을 전하는 것은 재촉자에 대한 즉각적인 선의를 전달했다.
많은 메신저스의 멤버는 Lee Morgan, Benny Golson, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Bobby Timmons, Curtis Fuller, Chuck Mangione, Keith Jarrett, Joanne Brackeen, Woody Shaw, Wynton Marsalis, Branford Marsalis, Terence Blanchard, Donald Harrison and Mulgrew Miller이 포함되었으며 그들은 재즈 스타가 되었다.
아트 블레이키 (Art Blakey)와 재즈 메신저 동창 (Jazz Messenger alumni)의 전체 목록은 밴드와 함께 실제로 녹음하지 않은 사람도 있다. ( The Jazz Messengers 참조).
나중에 경력
Blakey는 끊임없이 변화하는 재즈 메신저 그룹으로 수십 개의 앨범을 녹음했다. 그는 젊은 음악가를 격려하는 정책을 가졌다. 1954 년 A Night at Birdland 앨범을 낳은 라이브 세션에서 마이크에 대해 "나는 젊은이들과 함께 있을 것입니다. 몇몇 더 젊은 것. 마음을 활동적으로 유지하십시오. " 라고 언급했다.
1970 년대 퓨전 시대를 풍화시킨 후 (이 시기의 음반은 덜 풍부하고 일렉 피아노와 같은 악기를 포함하려는 시도를 포함), Blakey의 밴드는 근시 재래식 재즈의 출현과 함께 1980 년대 초에 활성화 되었다. Wynton Marsalis 는 밴드의 트럼펫 연주자이자 음악 감독이었고, Marsalis가 떠난 후에도 Blakey의 밴드는 Johnny O'Neal , Philip Harper , Terence Blanchard , Donald Harrison , Kenny Garrett 등의 다른 사람들과도 계속 이어졌다.
그는 1980 년대 말까지 공연을 계속하고 그룹과 함께 여행했다. Ralph Peterson, Jr. 는 Blakey의 실패한 건강 때문에 두 번째 드러머로 1983년에 합류했다. 론 윈 (Ron Wynn) 은 블레이키 (Blakey)가 "그런 힘과 분노를 가지고 연주했다. 결국 그는 청력의 대부분을 잃었고, 인생의 끝에서 종종 본능에 의해 엄격하게 행동했다." 그는 보청기를 착용하기를 거절하고, 타이밍을 내 버렸다고 주장하면서, 진동을 감지하여 대다수의 시간을 보냈다. Blakey의 최종 라인업에서 활약한 Javon Jackson은 청력 상실의 정도를 과장했다고 주장했다. "제 의견으로는 청각 장애가 조금 과장되어 있었고 한쪽 귀가 잘 듣지 못했지만 다른 쪽 귀가 잘 들렸다. 나쁘다. 그는 '이봐, 네가 그걸 놓쳤다.'라고 재빨리 대답했다. '나는 다음 공연을 위해 사용할 수 을 것 같지 않아.'라고 말하면서, 그는 '당신들을 수는 없어요.'라고 말하고 싶다. "또 다른 밴드 메이트 제프리 키저 (Geoffrey Keezer)는 ' . 그는 당신이 돈에 대해 물었을 때 귀가 안들렸다. 그러나 그것이 정말로 조용하고 당신이 그에게 일대일로 말하면, 그는 당신을 잘들을 수 있었다. "
Blakey의 최종 공연은 1990 년 7 월에 있었다. 그는 10 월 16 일 폐암으로 사망했다 . 드럼 연주 스타일
블레이키 (Blakey)는 그의 초기 경력인 Chick Webb , Sid Catlett , Ray Bauduc 과 동시대의 공격적인 스윙 스타일을 취 했고, Kenny Clarke 와 Max Roach 와 함께 현대 드럼 연주 스타일의 발명가 중 한 사람으로 알려져 있다. 맥스 로치는 이렇게 묘사했다.
"예술은 독창적인 사람이었다 ... 그는 드라마틱한 시간을 보냈으며, 그의 시그니처 스타일은 놀랍고, 우리는 그를 '썬더'라고 불렀다. 처음 1944 년 52 번가에서 그를 만났을 때, 그는 이미 폴리 리듬감을 가지고 있었고, 예술은 네 팔다리로 독립을 유지하는 데 있어 아마도 최고의 사람이었다. 그의 드럼 연주 형식은 전통적인 그립을 계속 사용했지만 이후의 모습에서도 그립을 사용하여 볼 수 있다. Ken Burns의 시리즈 Jazz 노트를 뒷받침하는 자료로 Blakey는 현대 재즈의 중요한 인물이자 드럼의 중요한 스타일리스트이며 Eckstine과의 초기 녹음 세션에서부터 특히 1947 년 Monk과의 역사적인 세션에서 힘과 독창성을 발휘하여 잦은 큰 스네어와베이스 드럼 악센트로 삼중 또는 크로스 리듬의 어두운 심벌즈 사운드를 만들어냈다. ”
“블레이키는 자신의 음악과 아프리카의 드럼 연주를 비교하기를 꺼려하지만 1948 ~ 9 년에 방문한 후에 드럼의 측면에서 랩을 하고 톰톰에서 그의 팔꿈치를 사용하여 음조를 바꾸는 등 여러 아프리카 장치를 채택했다. 일부 아프리카 음악가와 곡예사를 포함한 여러 드러머와 함께 녹음 세션을 진행했으며, 1950 ~ 51 년 이래로 그의 두 번째 및 네 번째 비트에서 하이햇을 강하게 닫은 그의 모방 된 상표가 1950-51 년 이후 그의 스타일의 일부로 포함되었다. Blakey는 그의 독주자들도 듣고 반응한다."
레거시
Blakey와 그의 밴드의 유산은 제작 한 음악 일뿐만 아니라 여러 세대의 재즈 뮤지션에게 제공 한 기회이기도 하다. 재즈 메신저는 1950 년대 후반부터 1960 년대 초반의 하드 밥 운동과 1980 년대와 1990 년대의 네오 트로 테이션 운동의 핵심 인물을 양성하고 영향을 주었다. 두 재즈 메신저 모두 스타일리쉬한 역할을 했다. Blakey의 죽음 직후의 드러머 신디 블랙맨 (Cindy Blackman) 의 말로, "재즈가 [1970 년대에 죽을 위험에 처해있을 때] 여전히 장면이 남아 있었고 아트는 그것을 계속 유지했습니다." Blakey는 1982 년 Jazz Hall of Fame (1982 년), Grammy Hall of Fame (2001 년)에 입회하여 2005 년 Grammy Lifetime Achievement Award를 수상했다.
개인 생활 그의 음악적 관심 외에도 Blakey는 "음악 [...] 여성 [그리고] 음식에 대한 커다란 식욕, 권투에 대한 관심으로 이야기꾼으로 Jerry "Tiger"Pearson에 의해 기술되었다.
Blakey는 4 번 결혼했고, 평생 동안 다른 관계를 오래 유지했다. 그는 첫 번째 부인인 클라리스 스튜어트 (Clarice Stewart)와 결혼했지만 다이애나 베이츠 (Diana Bates, 1956), 아츠코 나카무라 (Atsuko Nakamura, 1968), 앤 아놀드 (Anne Arnold, 1983)와 결혼했다.
그는 Gwendolyn, Evelyn, Jackie, Kadijah 및 Sakeena와 아들 Art Jr., Takashi, Akira, Kenji 및 Gamal과 같은 관계에서 10 명의 자녀를 두고 있었다. Blakey의 오랫동안 동반자 인 Sandy Warren은 Blakey가 Warren과 그의 아들 Takashi와 뉴저지 주 Northfield에 살았던 1970 년대 후반부터 1980 년대 초반까지 회상 및 좋아하는 음식 조리법에 대한 책을 출간했다.
Blakey는 서 아프리카 (1948)에서 이슬람의 문화와 종교를 탐구하기 위해 1 년 동안 여행했다. 1940 년대 후반, 다른 아프리카 계 미국인이 아흐 마디 선교사 카힐리 아메드 나시 르 (Kahili Ahmed Nasir)의 영향을 받았을 때 "Bu"로의 예술 전환이 있었으며 이슬람 / 미국사 백과사전에 따르면 이 시기의 한때 Blakey 17 명의 메신저 (아마도 모든 이슬람교도, 신의 메시지의 도관으로서의 예언자 와 음악의 역할에 대한 개념을 반영한)라는 Qur'an-reading 재즈 밴드를 지었다. 친구는 회교도 이슬람교도가 그의 장소에 올 것이고, 그 (것)들은 기도하고 말할 것입니다, 그 후에 "예술은 종교 [...]를 그 자신의 기간으로 이렇게" 몇 시간 후 [...] 식당에 가서 술을 마시고 갈비뼈를 주문하라고 했다. 이름 변경의 이유는 실용적이었다 : "다른 많은 흑인 재즈 뮤지션들처럼 뮤지션들은 "이슬람교도 이름을 채택했다"면서 음악가들은 호텔에 가보고 아프리카 계 미국인이 아님을 전제로 '백인 전용 장소'에 들어갈 수 있도록 했다.
존 코 하시 (John Cohassey)가 말했듯이, 블레이키 (Blakey)는 "인생의 대부분을 도로에서 살았으며 도로의 규칙에 따라 살았던 재즈 뮤지션"이었다. 이 생활 방식은 시민권 시대 (1939 년 프레지 처 헨더슨 밴드 알바니, 그루지야에서 체포 된 후의 논쟁과 블레이키의 치료로 인해 접시가 그의 머리에 삽입 된 수술로 이어진 사건을 포함)와 관련된 실행을 가져 왔다.
드러머 Keith Hollis는 Blakey의 초기 생애를 되돌아보고, 그의 동료 드러머는 "마약을 다하여 극복했다"고 말했다. 많은 시대와 마찬가지로 Blakey와 그의 밴드는 여행과 공연을 하면서 (이 점에 있어서 Blakey의 영향력에 대한 다양한 설명과 함께) 마약 사용 (즉 헤로인 )으로 유명했다. 다른 특별한 기억은 Blakey가 (연주하는 동안 술에 대한 그의 경력 초기에 드 드러 Sid Catlett에 의해 훈련을 받은 후) 연주하면서 심각한 음료를 마시는 것을 허락하고, "깨끗한 살아있는 고양이 "Wynton Marsalis의 영향으로 그가 덜 공연 도중 약물에 의해 영향을 받는다. Blakey는 무거운 흡연자이었다; 그는 Buhaina 's Delight (1961)의 앨범 표지에 연기구름 속에 나타나고, 진저 베이커 (Ginger Baker )와 함께 1973 년에 출연한 장면의 확장된 영상에서 Blakey는 담배 타기로 긴 드러머의 "결투"를 시작한다.
죽음
Blakey는 St. Vincent 's Hospital and Medical Center에서 71 세의 폐암으로 사망한 맨해튼에 살고 있었다. 그의 뉴욕 타임스 부고가 실렸고 그가 딸 4 명 (Gwendolyn, Evelyn, Jackie 및 Sakeena)과 4 명의 아들 (Takashi, Kenji, Gamal 및 Akira)에 현존해있다.
8.
Percy Heath/퍼시 히스 (1923년 4월 30일 - 2005년 4월 28일)는 미국의 재즈 베이스 연주자로 1943 년에 히스 브라더스 (Hath Brothers)를 결성한 색소폰 연주가 지미 히스 (Jimmy Heath) 와 드러머 알버트 히스 (Albert Heath)의 형제였다. 히스는 Modern Jazz Quartet 또한 Miles Davis, Dizzy Gillespie, Charlie Parker , Wes Montgomery 및 Thelonious Monk 와 함께 작업했다.
전기
히스는 노스 캐롤라이나 주 윌밍턴에서 태어났으며, 어린 시절을 필라델피아에서 보냈다. 그의 아버지는 클라리넷을 연주 했으며 그의 어머니는 교회 합창단에서 노래를 불렀다. 그는 8세 때부터 바이올린 연주를 시작했으며 지역에서 노래를 불렀다. 그는 1944년에 군대에 징집되어 Tuskegee Airmen의 일원이 되었지만 전투는 보지 못했다.
전쟁이 끝나고 음악을 하기로 결정한 그는 업라이트 베이스를 사고 필라델피아의 Granoff School of Music에 입학했다. 곧 그는 주요 예술가들과 함께 도시의 재즈 클럽에서 연주했다. 1948년 시카고에서, 그는 그의 형제와 함께 Milt Jackson 앨범에 Howard McGhee Sextet의 멤버로 녹음했다. 1940년대 후반에 뉴욕으로 이사한 후 Percy와 Jimmy Heath는 Dizzy Gillespie 의 그룹과 함께 작업한 것을 발견했다. 이 무렵 조니 모리 (Joe Morris) 밴드 멤버이자 조니 그리핀 (Johnny Griffin) 과 함께 활동했다.
Gillespie big band, 피아니스트 John Lewis, 드러머 Kenny Clarke, Milt Jackson, 베읏시스트 Ray Brown과 영구 그룹을 결성하기로 결심했다.
그들은 AllMusic.com이 말한 것처럼 Gillespie 밴드 공연에서 그들의 에피소드로 이미 알려지게 되었다. 결국 나머지는 MJQ ( Modern Jazz Quartet) 로 알려지게 될 것이다. 브라운이 그의 아내 Ella Fitzgerald 의 악대에 합류하기 위하여 그룹을 떠났을 때, 히스는 결합하고 그룹은 1952년에 공식적으로 시작되었다, Connie Kay 는 곧 나중에 Clarke를 대체했다. MJQ는 1974 년에 해산 될 때까지 정기적으로 연주되었다. 그것은 1981 년에 개혁되었고 1993 년에 마지막으로 녹음되었다. 1975년 Percy Heath와 그의 형제들은 피아니스트 Stanley Cowell 과 히스 브라더스를 결성했다. 그는 나중에 이 공연에서 베이스 대신 첼로를 연주하기도 했다.
2003년 80세 때 Heath는 Daddy Jazz 레이블을 통해 첫 번째 앨범을 밴드리더로 발표했다. A Love Song라는 제목의 이 앨범은 격찬을 받았으며 그의 저명한 경력을 위한 피팅 코다fitting coda/정확한 종결부 역할을 수행했다. 그것은 알버트 히스 (Albert Heath) 형제, 피아니스트 피터 워싱턴 ( Peter Washington), 피아니스트 Pat 패튼 (Jeb Patton)과 함께 연주했다.
Percy Heath는 Southampton, New York 에서 82번째 생일을 2일 남기고 뼈암으로 사망했다. Heath는 그가 사랑하는 Montauk Point(몬토크갑(岬): 미국 New York주 동남부, Long Island 동쪽 끝의 곶)의 해안선을 따라 오랫동안 활동했던 그 지역의 음악 활동가들의 선봉장이자 열렬한 베이스 연주자였다. 그는 지역 사회와 그의 동료 어부들로부터 존경을 받았다. 2006년 5월 27일, Montauk Point의 터틀 코브 (Turtle Cove)에 있는 기념탑으로 5000 파운드 돌로 된 기념패를 세웠다. 이 기념식에는 부인인 June과 3 명의 아들이 참석했다.
9.
Cecil Payne (1922년 12월 14일 - 2007년 11월 27일)은 뉴욕 브루클린에서 태어난 미국 재즈 바리톤 색소폰 연주자였다. 페인은 또한 알토 색소폰과 플루트 연주를 했다. 그는 밴드 리더로서의 솔로 활동을 추가로 다른 유명한 재즈 뮤지션, 특히 Dizzy Gillespie 및 Randy Weston 과 함께 연주했다.
전기
페인은 13세 때 처음으로 색소폰을 받았다. 그는 레스터 영의 솔로 연주로 카운트 베이시 (Count Basie)가 연주한 " Honeysuckle Rose"를 듣고 아버지를 찾았다. Payne은 지역 알토 색소폰 플레이어인 Pete Brown에게서 수업을 받았다. 그는 Bedford-Stuyvesant ,Boys High School에서 공부했다.
Payne은 JJ Johnson 과 함께 1946년 사보이 레이블에서 프로 녹음 경력을 시작했다. 그 해 그는 Dizzy Gillespie를 만난 Roy Eldridge와 함께 연주하기 시작했다. Gillespie가 그를 고용할 때까지 그의 이전 녹음은 스윙 범주에 속했다. Payne은 "Ow!" 오 "Stay on It"을 솔로로 연주할 때인 1949년까지 계약을 하지 못했다. 1950년대 초 그는 Tadd Dameron 과 일하면서 1952년부터 1954년까지 일리노이 Jacquet 과 함께 일했다. 그는 뉴욕시에서 프리랜서 작업을 시작했으며 Payne이 1960 년까지 일했던 Randy Weston 과 함께 이 기간 동안 자주 공연했다. Payne은 1990년대, 그가 70년대에 있었을 때, 실제로 새로운 천년기에 까지 Delmark Records 를 위해 정기적으로 녹음했다.
Payne은 트럼펫 연주자인 Marcus Belgrave의 사촌으로 잠깐 함께 녹음했다. 음악 경력을 제외하고, Payne는 1950년대 도중 그의 아버지의 부동산 회사를 운영하는 것을 도왔다. Payne은 부모님이 치과를 경력으로 간주 할 것을 촉구했다. 그는 아무도 자신의 치아를 "페인 박사Dr. Payne""에게 맡기지 않을 것이라고 지적함으로써 그들의 제안을 거부했다.
10.
Oscar Pettiford (1922년 9월 30일 - 1960년 9월 8일)는 미국의 재즈 더블 베이시스트, 첼리스트 및 작곡가였다. 그는 비밥 관용구에서 일하는 최초의 음악가 중 한 명이었다.
전기
Pettiford는 오클라호마의 Okmulgee에서 태어났다. 그의 어머니는 아메리카 인디언의 한 종족인 촉토Choctaw족이였고 그의 아버지는 Cherokee와 African American의 반이었다.
그는 12 살 때 피아노로 전환하기 전에 노래하고 춤을 추었던 가족 밴드에서 자랐다. 14 살 때 베이스를 연주하기 시작했다. 그는 사람들이 베이스를 연주하는 방식을 좋아하지 않아 자신의 방법으로 연주하기 원했다. 14 세의 나이에 밀트 힌튼 (Milt Hinton)의 감탄을 받았음에도 불구하고 그는 1941 년 자신이 생계를 유지할 수 있다고 믿지 않아 포기했다. 5 개월 후, 그는 다시 Hinton을 만났고 힌톤은 그를 다시 음악으로 돌아오도록 설득했다.
1942년에 그는 Charlie Barnet밴드에 가입했으며 1943년 콜맨 호킨스(Coleman Hawkins) 와 함께 " The Man I Love "에 녹음한 후 대중의 주목을 받았다. Pettiford는 또한 이번에 Earl Hines 와 Ben Webster 와 함께 녹음했다. 뉴욕으로 이사한 후, 그는 1940년대 초 Minton 의 Playhouse에서 음악 스타일이 개발된 뮤지션 스타일을 개발한 음악가 중 한 명이었다. (Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Kenny Clarke와 함께). 그와 Dizzy Gillespie는 1943 년에 밥 그룹을 이끌었다. 1945년에 Pettiford는 호킨스와 함께 캘리포니아로 갔고, 그 곳에서 재즈 사운드 트랙으로 유명한 The Crimson Canary에 출연했다. 그는 1945년부터 1948년까지 Duke Ellington, 1949 년 Woody Herman과 함께 일한 후 1950년대 리더로 일했다.
지도자로서 그는 우연히 Cannonball Adderley를 발견했다. 그의 음악가 중 한 명이 그를 Adderley를 스탠드에 올려놓고 연주하게 했고, Adderley는 아주 인상적인 연주를 펼쳤다.
Pettiford는 재즈 음악의 솔로 악기로서 첼로의 선구자로 여겨지고 있다. 그는 자신의 솔로 현장에서 밴드 리더 (Woody Herman)의 실제 농담으로 첼로를 연주했으며 밴드리더는 그가 솔로를 연주할 때 걸어 나갔다가 다시 돌아왔고 기대치 않은 첼로 연주에 감탄했다. 1949년, 그는 팔이 부러져 더 이상 베이스를 연주하는 것이 불가능하다는 것을 알았고, 친구가 빌려준 첼로를 실험했다. 더블베이스와 같이 1/4 옥타브 높게 튜닝한 Pettiford는 자신의 재활 기간 동안 (그의 팔이 슬링에 걸렸을 때) 1950년에 악기로 첫 녹음을 할 수 있음을 발견했다. 그의 이차적인 도구를 사용했고 그는 남은 생애 동안 계속 첼로를 연주하고 녹음했다.
그는 1950년대에 데뷔 앨범을 발매한 후, Bethlehem and ABC Paramount labels 레이블 등을 위해 광범위하게 녹음했다. 1950년대 중반에 그는 리버사이드 레이블로 녹음된 Thelonious Monk의 첫 앨범 3 곡을 연주했다. 1958년 그는 덴마크 코펜하겐으로 건너가 유럽 기업을 위해 녹음을 시작했다. 유럽으로 이주한 후 그는 Atilla Zoller와 같은 유럽 음악가들과 Bud Powell, Kenny Clarke와 같은 유럽에 정착한 다른 미국인들과 종종 공연했다. 그는 코펜하겐에서 1960년 소아마비와 밀접한 관계가 있는 바이러스로 사망했다. 그와 동시대 음악가인 Charles Mingus는 재즈에서 작곡가와 밴드 리더로서 가장 많은 녹음을 한 베이스 연주자 중의 하나로 뛰어난 인물이었다.
11.
에디 버트 (Eddie Bertolatus) (1922 년 5 월 16 일 - 2012 년 9 월 27 일)는 미국의 재즈 트롬본 연주자였다.
음악 경력
Edward Joseph Bertolatus는 뉴욕 Yonkers에서 태어났다. 음악가로서의 첫 번째 직업은 1940 년 Sam Donahue Orchestra에 합류하면서 시작되었다. 그는 Stan Kenton , Benny Goodman , Charles Mingus , Charlie Parker , Thelonious Monk , Tito Puente , Duke Ellington , Count Basie , Illinois Jacquet , Woody Herman 및 Charlie Barnet 과 같은 주요 뮤지션들과 지속적으로 공연했다.
그는 수백 곡의 녹음에 출연했으며 Savoy Records , Blue Note , Trans-World, Jazztone 및 Discovery Records 등 다양한 레이블의 선두 주자로 광범위하게 녹음 되었다. 버트는 2012 년 9 월 27 일 코네티컷 주 댄 베리 (Danbury, Connecticut) 에서 90 세의 나이로 죽을 때까지 매진된 쇼를 계속했다.
Bert는 많은 밴드와 오케스트라와 함께 녹음하고 연주했다. 그는 Benny Goodman의 오케스트라 (1958-86), Charles Mingus (1955-74), Thad Jones / Mel Lewis Orchestra (1968-72), New York Jazz Repertory Company (1973-78), The American Jazz 오케스트라 (1986-92), 로렌 berg 베르크 오케스트라 (1986-2001), 월트 레빈 스키 의 그레이트 아메리칸 스윙 오케스트라 (1987-95)에서 연주했다.
Bert는 Manhattan School of Music (1957)에서 학위와 교원 면허를 취득했다. 그는 Essex College, Bridgeport 대학 및 Western Connecticut State University에서 강의했다. 그의 사진은 재즈 자이언츠, Chan Parker and F. Pandras, Never Never Was (Spotlight Records, 앨범 표지 및 라이너 노트)에서 볼 수 있다.
12.
Jimmy Cleveland/James Milton Cleveland (1926 년 5 월 3 일 - 2008 년 8 월 23 일)는 테네시 주 Wartrace에서 태어난 미국의 재즈 트롬본 연주자였다.
Cleveland는 Lionel Hampton , Miles Davis , Sarah Vaughan , Antonio Carlos Jobim , Quincy Jones , Lucky Thompson , Gigi Gryce , Oscar Peterson , Oscar Pettiford 및 James Brown 과 같은 유명한 재즈 뮤지션과 함께 작업했다. 그는 또한 1950년대와 1960 년대에 EmArcy / Mercury Records 를 위해 일련의 앨범을 녹음했다. 그는 나중에 그의 경력에서 시온 레코드로 녹음을 계속했다.
Cleveland는 82 세의 나이로 캘리포니아의 Lynwood 에서 2008 년 8 월 23 일 사망했다.
Gunther Alexander Schuller (1925 년 11 월 22 일 ~ 2015 년 6 월 21 일)는 미국의 작곡가, 지휘자, 경적 선수, 작가, 역사가 및 재즈 음악가였다.
전기와 작품
초기 년
슐러는 뉴욕시의 퀸즈 (Queens )에서 태어났다. 독일인 Elsie (Bernartz)와 뉴욕 필 하모닉 (New York Philharmonic) 의 바이올리니스트인 Arthur E. Schuller의 아들이다. 그는 성자 합창단 학교에서 공부하고 프렌치 호른 연주자이며 플루트 연주가가 되었다. 15 세 때, 이미 American Ballet Theatre (1943)에서 전문적으로 혼을 연주하고 있었고, 신시내티 심포니 오케스트라 (1943-45)와 교장 선생님으로 임명된 후 뉴욕에 있는 Metropolitan Opera Orchestra 1959에서 연주했다. 어린 시절 그는 맨해튼 음악 학교 (Manhattan School of Music) 의 예비 대학 (Preollege Division)에 입학하여 나중에 학교에서 가르쳤다. 그러나 슐러는 전문학교에서 학위를 취득하지 못했다. 그는 마일즈 데이비스 (1949 ~ 50)와 함께 혼 연주자로 녹음하여 재즈에서 경력을 시작했다.
성과와 성장
1955년 슐러 (Schuller)와 재즈 피아니스트 존 루이스 (John Lewis)는 현대 재즈 학회 (Modern Jazz Society)를 창립했으며, 뉴욕 주 타운 홀 에서 첫 번째 콘서트를 열었고 같은 해 재즈 앤 클래식 음악 협회 (Jazz and Classical Music Society)로 알려졌다. 1957 년 브랜다이스 대학교 (Brandeis University) 에서 강의하면서 클래식 과 재즈 기술을 결합한 음악을 설명하기 위해 " 제 3의 스트림 "이라는 용어를 사용했다. 그는 이 스타일의 열광적인 지지자가되어 1957 년 재즈 앙상블 (1957), Concertino (1959 년 재즈 4 중주 및 오케스트라), 9 추상화 ( 1956 ) 등의 원칙에 따라 많은 작품을 썼다. 에릭 돌피 (Eric Dolphy) 와 오넷 콜맨 (Ornette Coleman )을 위해 1960 년에 13 편의 악기에 대한 Thelonious Monk (1960) 의 주제에 변종을 선보였다. 1966 년에, 그는 오페라 <방문 >을 작곡했다. 그는 또한 1975 년 휴스턴 그랜드 오페라 (Houston Grand Opera )가 이 작품을 초연으로 제작하기 위해 스콧 조플린 (Scott Joplin)이 유일하게 살아남은 오페라Treemonisha를 작곡했다.
경력 성숙도
1959년 Schuller는 작곡, 수업 및 작문에 헌신하기 위해 공연을 포기했다. 그는 국제적으로 지휘하고 Dizzy Gillespie 및 John Lewis와 같은 유명 음악가들과 함께 재즈를 공부하고 녹음했다. 슐러는 많은 음악 장르에서 190 개 이상의 독창적인 작곡을 썼다.
1960 년대와 1970 년대에 슐러는 뉴 잉글랜드 음악원 (New England Conservatory)의 사장으로 재직하면서 뉴 잉글랜드 래그 타임 앙상블 (New England Ragtime Ensemble) 을 설립했다. 이 기간 동안 그는 보스턴 심포니 오케스트라의 Tanglewood 여름 집에서도 다양한 활동을 했으며, 1965 년에서 1969 년까지 새로운 음악 활동의 책임자로 활동했으며 1970 년부터 1984 년까지 Tanglewood Music Center 의 예술 감독으로 활동했으며 Tanglewood 현대 음악제를 주관했다.
슐러 (Schuller)는 재즈 마스터 웍스 에디션 (Jazz Masterworks Editions)의 편집장을 지 냈으며 워싱턴 DC의 스미소니언 재즈 마스터 웍스 오케스트라 (Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra) 의 공동 디렉터였다. 보존에 대한 또 다른 노력은 1989 년 링컨 센터에서 찰스 깅누스의 거대한 규모의 편집과 사후 초연 최종 작업, Epitaph, 이후 Columbia / Sony Records에서 발표 되었다. 그는 재즈, 초기 재즈 (1968) 및 스윙 시대 (1991)의 역사에 관한 두 권의 주요 저서를 집필했다.
그의 학생으로는 Irwin Swack,Ralph Patt, John Ferritto, Eric Alexander Hewitt, Mohammed Fairouz , Oliver Knussen , Nancy Zeltzman, Riccardo Dalli Cardillo등이 있다.
마지막 십 년간에 있는 성취
1993 년부터 사망 할 때까지 슐러는 워싱턴 주 스포캔에서 열린 노스 웨스트 바흐 축제의 예술 감독으로 재직했다. 매년 축제는 JS Bach 와 Spokane 주변의 다른 작곡가들의 작품을 선보였다. 2010년 축제에서 Schuller는 Spokane Symphony와 함께 동부 워싱턴 대학 (East Washington University)의 성가대 합창단이 부른 성 요한 성당 (St. John 's Cathedral) 에서 미사를 B 미성년자 로 수행했다. 축제에서 지휘된 다른 주목할 만한 성과는 2008 년에 St 매튜 열정과 2005 년에 헨델의 메시아 를 포함한다.
Schokler와 Spokane의 협회는 1982 년 Spokane Symphony를 1 주일 동안 지휘한 손님과 함께 시작했다. 그는 1984-1985 년 음악 감독으로 일하며 나중에 객원 지휘자로 정기적으로 출연했다. Schuller는 또한 Sandpoint 근처 축제의 예술 감독으로도 활동했다.
2009 년 교향곡에 해당하는 네 개의 악장으로 조직된 모더니즘 오케스트라 단행본 ( Where the Word Ends )은 보스턴 심포니 오케스트라 (Boston Symphony Orchestra) 에서 초연되었다.
2011 년 Schuller는 2 권의 자서전인 Gunther Schuller : 음악과 아름다움에 대한 추구의 삶 의 첫 번째 권을 발표했다.
2012 년 Schuller는 Joplin의 오페라에서 Treemonisha suite 라는 새로운 편곡을 시작했다. 그것은 휴식의 일부로 수행되었다. Noise 시즌 런던 사우스 뱅크에서 2013 년에.
슐러는 2015년 6 월 21 일 보스턴 에서 백혈병으로 인한 합병증으로 사망했다 . 그는 1948 년에 가수이자 피아니스트인 마조리 블랙 (Marjorie Black)과 결혼했다. 그들의 결혼은 조지와 에드윈란 이름의 두 아들을 낳았고 1992 년에 죽을 때까지 지속되었다. [그의 아들들은 그의 형제 에드가 (Edgar)처럼 귄터가 사망 후에도 살았다.
상과 인정
슐러는 루이빌 오케스트라 , 추억과 반사 , 맥아더 재단 "천재"상 (1991), 케네디 센터 프리드 하이로어상에서 1 위를 차지한 작곡으로 1994 년 퓰리처 상을 비롯하여 많은 상을 수상했다. 1987), 콜럼비아 대학교 (Columbia University) 가 "미국 음악 작곡가에서의 평생명예 학위를 받은 William Schuman Award (1988) 그는 Ditson 지휘자 상 을 1970 년에 받았다. 1993 년 Down Beat 잡지는 재즈에 대한 기여로 Lifetime Achievement Award를 수상했다. BMI 재단은 그 다음 해에 평생 공로상을 수상했다. 2005 년에, Bruce Brubaker 에 의해 지시된 Schuller의 음악의 축제는 보스톤 교향악 , 하버드 대학 및 뉴 잉글랜드 온실 음악원을 포함했다. 슐러는 2015 년 맥도웰 식민지에서 에드워드 맥도웰 메달을 수상했다."작곡가이자 교사로서"작곡가인 오거스타 토마스 (MacDowell 상 선정위원회 위원장)는 "그는 발견과 실험의 모범을 보여 주면서 여러 세대의 학생들에게 영감을 불어 넣었습니다." 라고 언급했다,
14.
Bill Barber 또는 Billy Barber 로 알려진 John William Barber (1920 년 5 월 21 일 - 2007 년 6 월 18 일)는 현대 재즈에서 최초로 튜바를 연주한 사람으로 간주된다. 그는 Birth of the Cool , 스페인의 스케치 (Sketch of Spain), 마일즈 어 헤드 (Miles Ahead) 와 같은 앨범에서 Miles Davis와의 작업으로 유명하다.
이른 생활 및 경력
바버는 1920 년 Rochester 근처의 Hornell, New York 에서 태어났다. 그는 고등학교에서 튜바를 연주하기 시작했으며 Juilliard School of Music에서 공부했다. 졸업 후 그는 미주리 주 캔사스시티에 서부로 여행하여 캔자스시티 필 하모닉 및 다양한 발레 및 극장 오케스트라와 연주했다.
재즈 뮤지션
그는 1942년에 미국 육군에 입대하여 Patton의 7 번째 군대에서 3 년간 연주했다. 빌 자신의 가족에게 종종 "나는 내 튜바로 아무도 죽이지 않았다." 라고 언급했다. 전쟁이 끝난 후 그는 클로드 Thornhill의 빅 밴드에 합류하여 재즈 연주를 시작했으며, 1947 년 Al Langstaff 트롬본 연주자와 Gil Evans 및 Gerry Mulligan과 친구가 되었다. Barber는 현대 재즈 스타일로 솔로 연주를 하고 복잡한 앙상블 작품에 참여한 최초의 튜바 연주자 중 한 명이다.
Barber는 1949년에 Miles Davis의 비영리 단체 창립 멤버가 되어 Cool Recording 세션의 탄생으로 알려졌다. 그는 1957년 데이비스와 길 에반스 ( Jean and Gil Evans) 와 합류하여 스페인의 스케치 (Sketches of Spain) , 마일즈 어 헤드 (Miles Ahead) 와 포지 (Porgy and Bess) 와 같은 앨범을 녹음하기 전에 국왕과 나, 파라디소 (Paradiso)와 시내 중심 발레단의 극장 구덩이 편성 작업을 했다. Barber는 John Coltrane의 앨범 Africa / Brass 에서도 연주했다.
나중에 경력
Barber는 Manhattan School of Music 에서 석사 학위를 받았으며 뉴욕의 Copiague 에서 초등부 음악 교사로 활동했다. 그는 골드만 밴드를 포함하여 가능한 한 플레이를 계속했다. 1992 년 그는 Berry of the Cool의 자료를 재 작업한 Gerry Mulligan이 이끄는 한 목소리로 녹음하고 둘러보았다. 1998 년부터 2004 년까지 그는 일본 애니메이션 카우보이 비밥의 음악을 연주 한 뉴욕 의 Seatbelts 뮤지션 중 한 명이었다. 그는 2007 년 6 월 뉴욕 Bronxville 에서 심장 마비로 사망했다. 그의 손녀는 영화 제작자 Stephanie Barber 이다.
Danny Bank/Daniel Bernard Bank (1922 년 7 월 17 일 ~ 2010 년 6 월 5 일)는 미국의 재즈 색소폰 연주자, 클라리넷 연주자 및 연주자였다. 그는 대니 뱅크스 (Danny Banks) 와 같은 일부 릴리스로 알려져 있다.
그는 1922 년 7 월 17 일에 태어났다. 초기 경력 은행은 Charlie Barnet (1942-1944)과 함께 연주했으며 앞으로 수십 년에 걸쳐 반복적으로 그와 함께 연주했다. 그는 Benny Goodman , Tommy , Jimmy Dorsey , Artie Shaw , Paul Whiteman 과 1940 년대에 함께했다. 그 후 그는 Charlie Parker , Rex Stewart , Sauter-Finegan Orchestra , Johnny Hodges , Urbie Green , Clifford Brown 과 Helen Merrill , Art Farmer , Wes Montgomery , Quincy Jones , Jimmy Smith , Chico O'Farrill , Betty Carter , Ray 와 함께 녹음 했다 . Charles , Tony Fruscella 등이 있다.
Bank는 Gil Evans 의 오케스트라에서 Miles Davis 와의 협연으로 가장 잘 알려져 있다. Bank는 Miles Ahead , Sketches of Spain , Porgy and Bess 앨범에서베이스 클라리넷을 연주했다. 그는 1961 년 카네기 홀 콘서트에서 데이비스와 함께 연주했다. 1960 년대 후반에 그는 Charles Mingus , Sonny Rollins 및 Stanley Turrentine 의 빅 밴드 와 함께 녹음했다. Bank는 2010 년 6 월 5 일에 사망했다.
